DON GATO Y SU PANDILLA

Aprovechando que se cumple el 50 aniversario de la creación de este célebre personaje de la productora Hanna-Barbera (Los Picapiedra, El Oso Yogui, Scooby-Doo…), “Don Gato y su pandilla” salta de la pequeña a la gran pantalla en un divertido largometraje animado modernizado y lleno de aventuras de la mano del director Alberto Mar.

La serie de “Don Gato” se emitió por primera vez en la cadena ABC en septiembre de 1961 hasta. Años después se vería en el resto de América y España y en el Reino Unido.

Esta vez, Don Gato y su Pandilla se enfrentarán a un nuevo jefe de policía, quien no está nada contento con el oficial Matute y sus continuos fracasos tratando de evitar las estafas de Don Gato. Lucas Buenrostro, el nuevo jefe de policía, posee un sinfín de recursos tecnológicos y su verdadera intención es apoderarse de la ciudad, imponiendo sus leyes absurdas. Don Gato y toda la pandilla harán lo imposible para evitarlo, contando con la ayuda del propio oficial Matute, en una película llena de humor, aventuras, romance, intriga, acción y mucha diversión.

Los nostálgicos se reencontrarán con los entrañables personajes de Don Gato (que no ha perdido un ápice de su carácter pillo pero bonachón), Benito, Cucho, Demóstenes, Espanto, Panza y el oficial Matute, además de otros nuevos. Y los niños disfrutarán con una aventura clásica y al mismo tiempo actual, nada sofisticada pero de calidad. Como curiosidad, Don Gato ha sido doblado por José Corbacho, y Benito por Chikilicuatre.

Para pasar una estupenda tarde con los niños y un canjilón de palomitas.

¡POR FIN SOLOS!

La película es una comedia dramática de Lawrence Kasdan -que aquí también es guionista- y que ofrece la historia de Joseph (Kevin Kline) y Beth (Diane Keaton), un matrimonio de mediana edad, con dos hijas mayores, Grace y Ellie. Un día de invierno en Denver (Colorado), Beth y Grace rescatan a un perro callejero de la autopista. Al poco tiempo, Beth, quien está lidiando con el síndrome del nido vacío y con un marido absorbido por su trabajo como cirujano, conecta de una manera muy especial con Freeway, el perro. Pero cuando Joseph lo pierde tras la boda de su hija Grace con el veterinario del lugar, en plenas Montañas Rocosas, se pone en marcha una búsqueda frenética, con la ayuda de Penny, hermana de Beth, su novio Russell, y Carmen, la joven un tanto misteriosa que cuida la casa.

En realidad, la película se basa en todo el proceso de la búsqueda del perro, que pone de manifiesto las prioridades de cada uno en la familia y los verdaderos valores que la animan. La aventura saca a la luz las tensiones entre parejas, hermanos, padres e hijos. Un nuevo amor nace, un antiguo amor es puesto a prueba, y los caracteres de los protagonistas chocan.

Pero todo ello se explica muy por encima, con la constante sensación de que en cualquier momento llegará algo más contundente. Y no es así: las escenas se suceden una detrás de la otra con bastante tedio; y los diálogos, flojos y con un humor tontorrón –y a veces grosero-, no acaban de retratar bien a los personajes. No obstante, es una película “de buenos sentimientos” que se deja ver, también por sus bonitos paisajes otoñales, pero pasará sin mucha pena ni gloria.

LA MALDICIÓN DE ROOKFORD

La película, opera prima del director británico Nick Murphy, es una inquietante historia de fantasmas de corte clásico en la línea de Los otros y El orfanato, ambientada en 1920, en la Inglaterra de la posguerra.

Florence (Rebecca Hall) se dedica a desenmascarar montajes sobre presuntos fenómenos paranormales, sirviéndose de sistemas metódicos y racionales. Un día, la contrata uno de los maestros del internado de Rookford, Robert Mallory (Dominic West), en la campiña inglesa, para investigar las supuestas apariciones del fantasma de un niño, y ella acepta el reto. Una vez allí, el misterio que rodea al fantasma parece no ser más que una broma de niños. Sin embargo, a punto de marcharse, Florence vive un escalofriante encuentro que desafía toda explicación racional. Decide quedarse a averiguar el asunto aprovechando las vacaciones de Navidad, acompañada únicamente de la gobernanta (Imelda Staunton), de un alumno cuyos padres no pueden hacerse cargo de él (Isaac Hempstead-Wright) y del profesor Mallory.

Muchos de los momentos del film se nutren de los preparativos científicos para “cazar” al fantasma, pero también van surgiendo los propios traumas y secretos interiores tanto de la racional protagonista como del crédulo profesor, que constituye un drama paralelo al thriller. La fotografía grisácea y brumosa del barcelonés Eduard Grau, contribuye crear la fría y solitaria atmósfera del internado y sus bosques.

Se trata de una película de miedo psicológico y sobrenatural –afortunadamente no es sangrienta-, la típica en que se producen sobresaltos, se deslizan presencias difusas y se viven algunos momentos muy inquietantes. De todos modos, hay algo que falla en el guión, muy enrevesado y poco claro, y las escenas eróticas, aunque breves, están de más. Sólo para adultos.

BLANCANIEVES

“Blancanieves (Mirror, mirror)” es uno de los cuentos de los hermanos Grimm más queridos de todos los tiempos. Esta divertida y surrealista versión está dirigida por Tarsem Singh, en la que una bella y madura Julia Roberts encarna a la malvada pero también sugestiva Reina, y la joven Lily Collins –hija de Phil Collins- a la dulce Blancanieves. El espléndido vestuario es la joya de este film para todos los públicos.

Con un guión flojito, lo más brillante del film es la puesta en escena, todo de lo más sorprendente, ya que recupera elementos y personajes de antiguas versiones muy alejadas de la infantil “Blancanieves” de Walt Disney. También es de destacar su soberbio vestuario. Es el legado póstumo de Eiko Ishioka, la diseñadora japonesa experta en vestuario cinematográfico, que murió el pasado 21 de enero, víctima de cáncer. Los trajes de “Blancanieves” –más de 300- es todo un espectáculo de color y formas, una perfecta combinación entre lo colorista y lo tenebroso, que recuerda un poco el estilo de “Alicia en el País de las Maravillas”, de Tim Burton.

En las diversas escenas de la película, se entremezcla el barroquismo de la corte de la déspota reina con el lúgubre pueblo que sufre, el brillante baile de disfraces en palacio y la gran boda final, con música pop y una coreografía a lo bollywood muy divertida, con escenas siniestras de magia negra en las que no se olvidan detalles tan clásicos como el “espejito, espejito” o la manzana envenenada. Pero todo con un toque moderno y actualizado: quien da el beso salvador no es el príncipe –bastante bobalicón-, sino la princesa; o quien lidera la lucha espada en mano es la propia Blancanieves.

En la aventura no faltan los siete enanitos, que en lugar de mineros son salteadores de caminos, que ayudarán con humor a la exiliada princesa a recuperar el trono y el amor de su príncipe azul. Julia Roberts está magnífica en su papel atractivo pero vengativo y cruel. Es una versión que recomiendo sólo a partir de 12 años.

JOHN CARTER

Basada en una obra del mundialmente conocido creador de “Tarzán”, Edgar Rice Burroughs, titulada “Una Princesa de Marte”, este film del realizador Andrew Stanton (“Buscando a Nemo”) presenta una espectacular historia de aventuras ambientada en el planeta Barsoom, que se corresponde con Marte.

El narrador es el propio Edgar Rice Burroughs cuando, ante el “fallecimiento” de su tío John Carter, recibe junto con una fabulosa herencia un misterioso diario con unas complicadas instrucciones. Un flash back nos introduce en el escrito y nos explica que un ex militar de la guerra de Secesión americana, el capitán John Carter (Taylor Kitsch), descubre una misteriosa mina de oro y un singular medallón que al cogerlo inexplicablemente le transporta hasta Marte. Allí, pese a su reticencia, se verá inmerso en un conflicto entre los habitantes del planeta, a cual más raro, junto con sus aliados, la extraña criatura Tars Tarkas (Williem Dafoe) y la bella Princesa Dejah Thoris (Lynn Collins). En un mundo al borde del colapso, el cínico Carter descubre que al final sí tiene madera de héroe y que la supervivencia de Barsoom y su gente están en sus manos.

La película, distribuida por Walt Disney, es entretenida y con buenos efectos especiales, amplificados en la versión 3D. Es una amalgama de varios clásicos de la ciencia ficción: desde “Star Wars” hasta “Avatar”, pasando por héroes de cómic como “Thor”. También la conbinación de western y ciencia ficción no nos es desconocida del todo... Tiene bellos escenarios naturales rodados en Utah que representan los parajes desérticos de Marte y una ambientación de inspiración modernista muy imaginativa. El contenido es el clásico de una historia decimonónica de ciencia-ficción: con princesas guerreras en peligro, perversos personajes que quieren dominar a los demás y un héroe que intenta devolver la justicia.

A partir de 13 -14 años.

INTOCABLE

Basada en hechos reales, esta producción francesa es una historia emotiva e ingeniosa sobre dos hombres que nunca deberían haberse encontrado por pertenecer a mundos dispares.

Tras un accidente que le deja tetrapléjico, Philippe (François Cluzet), un rico aristócrata, contrata a Driss (Omar Sy) como asistente y cuidador, un joven senegalés procedente de los suburbios de París, con antecedentes penales y sin ninguna experiencia sanitaria. A pesar de la enorme diferencia en todos los aspectos, van a constituir un tándem perfecto que desemboca en una singular amistad, que los hace “intocables”. Driss le devuelve a Philippe las ganas de vivir con su sentido pragmático de la vida, pero el discapacitado también tiene mucho que ofrecer al inmigrante, que vive un drama familiar secreto.

Se trata de una comedia deliciosa, llena de momentos sólidos e inesperados, en los que se mezclan de forma hilarante Vivaldi y Earth, Wind & Fire, la dicción elegante y la jerga callejera, los trajes de firma y los pantalones de chándal… Las escenas en que Philippe le quiere inculcar a Driss el gusto por la música clásica, la de la incomprensión de Driss ante los cuadros abstractos en el museo de arte, o la del afeitado, entre otras, son memorables.

Está dirigida por Olivier Nakache y Eric Toledano, que han sabido acertar en la elección de actores y en el tono que le han dado al film: mucho humor como un canto a la vida, desdramatizar la adversidad, disfrutar con las cosas, mirar hacia delante con optimismo y aprender a percibir las necesidades y anhelos de los demás. Clausuró con éxito la última edición del Festival de San Sebastián. En Francia se ha convertido en un fenómeno taquillero.

Contiene algunos diálogos y detalles sensuales. A partir de 16 años.

EL CASCANUECES

Esta superproducción musical, rodada en 3D, nos narra la historia de Mary (Elle Fanning), una niña de 9 años, cuya Navidad, siempre aburrida y convencional, se vuelve patas arriba cuando su tío Albert (Nathan Lane) le regala un pequeño muñeco cascanueces. Basada en un popular cuento ruso escrito en 1816 por E. Hoffmann, y al que más tarde Thaikovsky puso la maravillosa música para ballet, la película está dirigida por el director ruso Andrei Konchalovsky.

La aventura promete mucho al comenzar con unas bellísimas imágenes de la Viena de principios del siglo XX y con unas secuencias llenas de fantasía y magia. Mary vive en una lujosa casa con su hermano Max, niño caprichoso al que le encanta destripar juguetes. Sus padres, siempre en fiestas, no tienen nunca tiempo para ellos. Pero la víspera de Navidad, el Cascanueces cobra vida, sumergiendo a Mary en una aventura peligrosa cuando su nuevo amigo es apresado por el Rey Rata (John Turturro). La niña, su hermano y sus nuevos amigos, los juguetes, tendrán que enfrentarse al malvado rey y a su loca madre, para liberar a Cascanueces –en realidad un príncipe. y su reino.

La música de Thaikovsky es magnífica, aunque es una pena que le hayan puesto letra, por lo menos el doblaje es patético. El film tiene fogonazos de El Mago de Oz y de Mary Poppins, con una fotografía excelente, un vestuario precioso y la elección de la niña protagonista, un acierto. Pero a medida que transcurre la acción, la película se va deshinchando y acaba decepcionando. Está muy visto ya el recurso al aspecto nazi de los villanos, ratas humanizadas, y son de mal gusto la escena de la quema de los juguetes en hornos crematorios, las fotografías de los niños llorando –como existen en el museo Auschwitz- y el aspecto sucio y gris de la ciudad, que recuerda a los guetos de la II Guerra Mundial.

Además, el 3D falla estrepitosamente, es muy malo, con lo que no merece la pena gastarse más dinero. Es un producto navideño para todos los públicos, a los niños les gustará y entretendrá. A los adultos les aburrirá, y mucho.