Cine Diez

INTOCABLES

2012-01-25T03:30:00.000-08:00

Basada en hechos reales, esta producción francesa es una historia emotiva e ingeniosa sobre dos hombres que nunca deberían haberse encontrado por pertenecer a mundos dispares.

Tras un accidente que le deja tetrapléjico, Philippe (François Cluzet), un rico aristócrata, contrata a Driss (Omar Sy) como asistente y cuidador, un joven senegalés procedente de los suburbios de París, con antecedentes penales y sin ninguna experiencia sanitaria. A pesar de la enorme diferencia en todos los aspectos, van a constituir un tándem perfecto que desemboca en una singular amistad, que los hace “intocables”. Driss le devuelve a Philippe las ganas de vivir con su sentido pragmático de la vida, pero el discapacitado también tiene mucho que ofrecer al inmigrante, que vive un drama familiar secreto.

Se trata de una comedia deliciosa, llena de momentos sólidos e inesperados, en los que se mezclan de forma hilarante Vivaldi y Earth, Wind & Fire, la dicción elegante y la jerga callejera, los trajes de firma y los pantalones de chándal… Las escenas en que Philippe le quiere inculcar a Driss el gusto por la música clásica, la de la incomprensión de Driss ante los cuadros abstractos en el museo de arte, o la del afeitado, entre otras, son memorables.

Está dirigida por Olivier Nakache y Eric Toledano, que han sabido acertar en la elección de actores y en el tono que le han dado al film: mucho humor como un canto a la vida, desdramatizar la adversidad, disfrutar con las cosas, mirar hacia delante con optimismo y aprender a percibir las necesidades y anhelos de los demás. Clausuró con éxito la última edición del Festival de San Sebastián. En Francia se ha convertido en un fenómeno taquillero.

Contiene algunos diálogos y detalles sensuales. A partir de 16 años.

EL CASCANUECES

2011-12-19T04:51:00.000-08:00

Esta superproducción musical, rodada en 3D, nos narra la historia de Mary (Elle Fanning), una niña de 9 años, cuya Navidad, siempre aburrida y convencional, se vuelve patas arriba cuando su tío Albert (Nathan Lane) le regala un pequeño muñeco cascanueces. Basada en un popular cuento ruso escrito en 1816 por E. Hoffmann, y al que más tarde Thaikovsky puso la maravillosa música para ballet, la película está dirigida por el director ruso Andrei Konchalovsky.

La aventura promete mucho al comenzar con unas bellísimas imágenes de la Viena de principios del siglo XX y con unas secuencias llenas de fantasía y magia. Mary vive en una lujosa casa con su hermano Max, niño caprichoso al que le encanta destripar juguetes. Sus padres, siempre en fiestas, no tienen nunca tiempo para ellos. Pero la víspera de Navidad, el Cascanueces cobra vida, sumergiendo a Mary en una aventura peligrosa cuando su nuevo amigo es apresado por el Rey Rata (John Turturro). La niña, su hermano y sus nuevos amigos, los juguetes, tendrán que enfrentarse al malvado rey y a su loca madre, para liberar a Cascanueces –en realidad un príncipe. y su reino.

La música de Thaikovsky es magnífica, aunque es una pena que le hayan puesto letra, por lo menos el doblaje es patético. El film tiene fogonazos de El Mago de Oz y de Mary Poppins, con una fotografía excelente, un vestuario precioso y la elección de la niña protagonista, un acierto. Pero a medida que transcurre la acción, la película se va deshinchando y acaba decepcionando. Está muy visto ya el recurso al aspecto nazi de los villanos, ratas humanizadas, y son de mal gusto la escena de la quema de los juguetes en hornos crematorios, las fotografías de los niños llorando –como existen en el museo Auschwitz- y el aspecto sucio y gris de la ciudad, que recuerda a los guetos de la II Guerra Mundial.

Además, el 3D falla estrepitosamente, es muy malo, con lo que no merece la pena gastarse más dinero. Es un producto navideño para todos los públicos, a los niños les gustará y entretendrá. A los adultos les aburrirá, y mucho.

LA CONSPIRACIÓN

2011-12-04T07:23:00.000-08:00

A caballo entre el thriller y el género judicial, esta película, dirigida con brillantez por el actor Robert Redford, que hace una nueva incursión en su faceta de director, narra los hechos que marcaron para siempre la historia de los Estados Unidos con el asesinato del presidente Abraham Lincoln al finalizar la guerra civil.

Tras el magnicidio, ocho personas son detenidas y acusadas de conspirar para matar al presidente, al vicepresidente y al secretario de Estado. La única mujer que se encuentra entre ellos, Mary Surratt (Robyn Wright), de 42 años, regenta una pensión donde el autor material, John Wilkes Booth (Toby Kebbell) y sus cómplices –entre los que se encontraba el propio hijo de Surrat-, se reunieron y planearon los asesinatos simultáneos.

La defensa de oficio de Mary Surrat se le encomienda al abogado Frederick Aiken (James MacAvoy), un joven héroe de guerra unionista, a lo que accede a regañadientes. Sin embargo, el joven abogado acaba creyendo en la inocencia de su defendida, y también que está protegiendo a su hijo John (Johnny Simmons), pero le cuesta encontrar a los testigos y las pruebas que la exculpen y la salven de morir en la horca. Sin embargo, su sentido del deber y de encontrar la verdad conduce a Aiken a enfrentarse a una sociedad que ya ha condenado a Mary Surrat.

La película es interesante de principio a fin, con momentos de gran intensidad dramática en las sesiones judiciales. Al mismo tiempo, se hace una crítica de los prejuicios post bélicos, de la situación de catarsis de todo un país ante el asesinato de su idolatrado presidente y del implacable sistema judicial militar de la época, deseoso de aplicar castigos ejemplares.

Para adultos.

EL GATO CON BOTAS

2011-11-12T10:42:00.000-08:00

Nada tiene que ver con el clásico cuento infantil de Perrault, del gato con Botas y el marqués de Carabás. Se trata más bien de un “spin off” de Shrek 2, en el que el astuto minino andaluz, experto espadachín y triunfador con las hembras, cobra protagonismo. Pero además, se mezcla este cuento con el de “Las Habichuelas Mágicas”.

Con estos ingredientes, DreamsWorks presenta una historia entretenida, dirigida por Chris Miller, en la que, mucho antes de conocer al ogro, el Gato con Botas emprende una aventura con Kitty Zarpas Suaves y el extraño villano Humpty Dumpty –un huevo acomplejado- para salvar San Ricardo, su pueblo.

En la historia se narra cómo Gato consigue las botas, una especie de trofeo por su heroísmo, pero todo se trunca al verse envuelto en las mañas del retorcido Humpty, su amigo del orfanato, y se convierte en un fugitivo de la justicia. Ambos deben encontrar las habichuelas mágicas, pero para complicarles las cosas se las tienen que ver con la divertida y ruda pareja de forajidos, Jack y Jill, quienes harán cualquier cosa para que Gato y su banda no consigan su objetivo.

Una historia de animación con las voces de Antonio Banderas, Salma Hayek y Zach Galifianakis, en los principales papeles de la versión original. Banderas también dobla la versión española.

Esta brillante producción en 3D no es, sin embargo –igual que Shrek-, una película infantil. De hecho, contiene algunos diálogos ligeramente groseros y de doble sentido. A partir de 13-14 años.

TENTACIÓN EN MANHATTAN

2011-10-19T03:01:00.000-07:00

Entretenida y ligera comedia de la guionista de “El diablo viste de Prada” y “27 vestidos”, dirigida por Douglas McGrath y protagonizada por Sarah Jessica Parker, Pierce Brosnan y Greg Kinnear.

Basada en la novela de Allison Pearson “La vida frenética de Kate”, cuenta las peripecias de un matrimonio con dos hijos pequeños. Ella, Kate, es una analista financiera que adora su trabajo… pero también a su familia. Llegar a todo le resulta poco menos que una hazaña. Su mayor afán es hacer listas de tareas y completarlas con éxito. Su marido Richard (Greg Kinnear) acaba de conseguir un trabajo como arquitecto tras estar unos meses en paro, justo al recibir Kate un nuevo proyecto profesional: viajar muy a menudo junto a su encantador socio Jack (Pierce Brosnan) para obtener una importante inversión. La vida se puede volver entonces muy, muy complicada.

Narrada con gracia -a veces congelando la imagen para dirigirse al espectador-, Sarah Jessica Parker tiene aquí un papel muy a su medida: sofisticada, fresca y simpática. La cinta es un alegato a favor de la mujer trabajadora, que no debe convertirse en una súper woman, pero al mismo tiempo no deja de ridiculizar a aquella que decide “no trabajar” para dedicarse al hogar y a sus hijos.

Basada excesivamente en el sentimentalismo tan común hoy, es bastante insustancial en aspectos serios. No tiene raíces éticas que expliquen, por ejemplo, por qué la eficaz pero fría secretaria de Kate, Momo (Olivia Munn), no debe abortar cuando descubre que está embarazada. El único argumento para seguir con el embarazo es que “ser madre es muy bonito”. Ni tampoco da razones convincentes para no enrollarse con el atractivo socio, pero sí para darle alas. Pierce Brosnan, por cierto, no está aquí en su mejor papel, se le ve mayor.

De todas formas, el film es entretenido y tiene sus virtudes: la complicidad del matrimonio, la relación cercana –aunque algo culpable- con los hijos, la sincera y leal amistad con su amiga, o la cordial competitividad con otro compañero de trabajo. La sonrisa y a veces la carcajada sale fácilmente. Gustará a las mujeres.

Son of Babylon

2011-10-03T07:15:00.000-07:00

Es una sobria, deslumbrante y emotiva película del cineasta irakí Mohamed Al-Daradji, también guionista, productor y director de fotografía, basada en vivencias reales sobre la trágica historia reciente de su país.

Cuenta el periplo de Ahmed, un niño kurdo de 12 años, huérfano de madre, que recorre junto con su abuela las carreteras del norte de Irak. Ambos buscan al padre del niño, un soldado arrestado por la Guardia Republicana de Saddam, desaparecido durante la Guerra del Golfo, para que se haga cargo del pequeño. En su búsqueda, se cruzan con otras personas en la misma situación; todos viajan en busca de alguien, tratando de recuperar a sus seres queridos, y ansiando alcanzar una nueva vida y un futuro de esperanza.

Rodada, como una road movie, es una historia llena de humanidad y de ternura, por la relación de la abuela y su nieto, por la bondad desinteresada de las personas con las que se cruzan, difícil de entender en el utilitarista Occidente, por el estoico aguante ante las dificultades y las contradicciones.

Su puesta en escena, sin prisas, con sus largos silencios, sus atardeceres en el desierto, sus detalles cotidianos, la hacen muy emotiva y llena de sobria belleza. El estoicismo de la abuela, envejecida y hecha al sufrimiento, y la alegría de vivir de Ahmed, son un contrapunto interesante, pero también la historia es la personificación del drama de tantos miles de desaparecidos en el régimen de Saddam y de sus familiares errantes en su busca. Tras el descubrimiento de varias fosas comunes en Irak con miles de cadáveres, uno de los objetivos de los realizadores es que las organizaciones internacionales ayuden a financiar la tecnología requerida para la identificación de tantos cuerpos.

La película es candidata a la Mejor Película de Habla no Inglesa por Irak a los Oscar 2011 y ha ganado ya numerosos premios en los festivales internacionales en los que ha participado.

A pesar de la dureza de la historia, es un disfrute verla. La recomiendo vivamente, sobre todo en su versión original.

COWBOYS & ALIENS

2011-08-28T03:27:00.000-07:00

1873. Territorio de Arizona. Un pistolero (Daniel Craig), que ha perdido la memoria, llega a un pueblo en mitad del desierto, llevando en la muñeca un misterioso grillete de hierro. Descubre que la gente vive en un estado de miedo constante bajo el autoritarismo del cacique del lugar, el coronel Dolarhyde (Harrison Ford). Pero el pueblo recibe una noche un ataque de unas extrañas máquinas que comienzan a abducir a sus habitantes y hay que cambiar las prioridades en aras de la supervivencia. El extraño pistolero comienza a buscar aliados para hacer un frente común contra la invasión alienígena y consigue reunir a elementos de lo más dispares, incluidos los apaches. Pero también desea descubrir qué le ha pasado a él.

La película parte de un original y prometedor planteamiento: la unión de un western duro con la ciencia-ficción de terror y, como tal, tenía muy buenas expectativas. Su puesta en escena, en el más puro estilo de clásico western, es soberbia, con reconocidos productores –incluido Spielberg- , excelentes actores y buenos guionistas. Pero le falta algo. Es una historia que no convence desde el momento en que se desarrolla el elemento fantástico. Ahí empieza a hacer aguas por todas partes. Además, es violentísima y en algunos momentos desagradable. Y parece que Spielberg, que acaba de estrenar “Súper 8”, aprovecha para abaratar costes y emplear los mismos “monstruos” en esta nueva producción.

Una pena, porque es una historia que prometía bastante y acaba decepcionando. Para adultos.

SÚPER 8

2011-08-11T03:20:00.000-07:00

En el verano de 1979, seis chicos de un pequeño pueblo siderúrgico de Ohio son testigos de un terrible choque de tren –que transportaba material militar extraño- mientras rodaban una película sobre zombies en súper 8 para presentarla a un festival de cine juvenil. Poco después del accidente, comienzan una serie de desapariciones de personas y eventos inexplicables, por lo que los chicos sospechan que no fue un accidente. El adjunto al sheriff, padre de uno de los muchachos, intentará descubrir la verdad.

El film, dirigido por J.J. Abrams (autor de la saga “Star Trek” y la serie “Perdidos”) y producido por el mismo Abrams, Bryan Burk y Steven Spielberg (archiconocido por sus películas, entre ellas “ET”, la saga “Indiana Jones” o “Encuentros en la tercera fase”), es una historia que recuerda al entrañable “ET” de hace 30 años, con sus dosis de humor, ternura, acción, intriga e ingredientes como la amistad desinteresada, la valentía, el perdón,etc. Además, destaca por los valores familiares, encarnados en las difíciles relaciones entre el policía, viudo reciente y sin saber qué hacer con un niño de 13 años, o la tensa relación entre Alice y su padre borracho.

Abrams y Spielberg han hecho una película a partir de sus propios recuerdos infantiles cuando ellos mismos creaban películas de monstruos en súper 8 y las presentaban a concursos cinematográficos. En todo momento se hace interesante, hasta el genial epílogo final, broche de oro de todo el metraje. La película está protagonizada por Elle Fanning, Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, Basson Gabriel, Courtney Joel, Lee Ryan, Zach Mills y Amanda Michalka.

Uno de los mejores estrenos del verano, gustará a toda la familia. A partir de 10 años.

CAPITÁN AMÉRICA

2011-07-28T05:19:00.000-07:00

El Capitán América fue el primero de los superhéroes de Marvel. Apareció en marzo de 1941, ocho meses antes de que EE.UU. entrara en la Segunda Guerra Mundial. La inolvidable portada del cómic mostraba a un joven soldado luciendo una bandera americana en el pecho y propinándole un puñetazo a Hitler. Supuso no sólo una gran representación del ideal americano de su época, sino también el héroe que no ha nacido para tal sino que ha tenido que esforzarse para seguir adelante con valentía inquebrantable y confianza en sí mismo.

Producida por los estudios Marvel y Paramount, y dirigida por Joe Johnston, "Capitán América: El primer vengador" es, junto a “Thor”, los dos grandes estrenos de este año del universo Marvel. La historia comienza en 1941: el mundo está desgarrado por la guerra. Tras varios intentos frustrados de ingresar como militar para luchar junto a sus amigos en las Fuerzas Aliadas, el beligerante y flacucho Steve Rogers (Chris Evans), un joven de 53 kilos de peso, participa en un programa experimental que lo convertirá en el súper soldado conocido como el Capitán América. En su nueva y musculosa encarnación, el Capitán América une fuerzas con su amigo Bucky Barnes (Sebastian Stan) y la Teniente Peggy Carter (Hayley Atwell) para luchar contra la malvada organización Hydra, la división científica de los nazis encabezada por el villano Calavera Roja (Hugo Weaving).

Joe Johnston ha conseguido hacer de esta película -que podría haberse quedado en la lucha de los buenos contra los malos y un repertorio considerable de efectos especiales- una historia con corazón. Desde el primer momento se preocupa de que el escuchimizado protagonista caiga bien por su valentía y determinación aunque no le acompañen sus fuerzas físicas. Su personaje va de un extremo a otro: desde un chico rechazado del cual se aprovechan los demás, a un líder dinámico y estimado por todos, en un alarde de tecnología en efectos especiales: usando la cabeza del actor y el cuerpo flaco de otro, “empequeñeció” a Chris Evans, manteniendo intacto el espíritu valiente y humilde del personaje.

Quizás se le puede achacar la excesiva importancia que se da a un cuerpo perfecto en nuestra sociedad, a la fuerza física por encima de otros valores, aunque en este caso no se descuida del todo la dimensión psicológica, ya que tomando el mismo suero dos personas tan dispares, los efectos son distintos: Rogers se convierte en el valeroso y patriota Capitán América y el villano nazi en un monstruo espantoso deseoso de dominar el mundo.

La película tiene mucha acción, es muy interesante de principio a fin y sorprende con su llamativo e inesperado final. Para todos los públicos.

CARS 2

2011-07-07T03:01:00.000-07:00

Divertidísima y brillante película en 3D de la firma Disney y Pixar, aún mejor que la primera, en la que la estrella de los coches de carreras, "Rayo" McQueen, y su inseparable y destartalada grúa Mate, inician una aventura juntos al participar en el primer “Grand Prix Mundial”, en el que se determinará cuál es el automóvil más veloz del mundo. Pero en el camino, McQueen y Mate se ven involuntariamente involucrados, a lo James Bond, en una misteriosa aventura de espionaje internacional sumamente peligrosa, con buenos, malos y chica-coche estupenda.

Dirigida por John Lasseter, la película tiene una acción trepidante, unos diálogos llenos de chispa y unos gráficos absolutamente maravillosos que nos sitúan en Tokio,. París, la Riviera italiana, Londres… Sin embargo, muchas de las escenas reproducen un mundo adulto que captará bien un público mayor de edad –como los cochecitos geishas, o el glamour de las rutilantes fiestas en torno al casino- y que a los niños les resultará poco menos que desconocido, aunque disfrutarán de la aventura.

Como datos anecdóticos, en las carreras participan un Ferrari-Fernando Alonso, con la voz del piloto español, así como Pedro de la Rosa con un Mclaren, o Lewis Hamilton que da voz a su propio coche.

El film contiene, además, valores imperecederos, como el amor por la libertad y la amistad verdadera por encima de otros intereses materiales, así como guiños hacia temas ecológicos relacionados con los carburantes, meollo del conflicto.

Sin duda, uno de los grandes estrenos del verano, gustará a toda la familia.

PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS

2011-05-17T08:53:00.000-07:00

Producida por Jerry Bruckheimer y dirigida por Rob Marshall, Walt Disney presenta una aventura realmente espectacular, la mejor de la saga quizás, llena de momentos trepidantes y de humor. Es la primera de las cuatro películas que se rueda en 3D.

De nuevo encontramos a Johnny Depp en su papel del embaucador e irreverente capitán Jack Sparrow. Esta vez va en busca de la Fuente de la Juventud, como medio para tratar de recuperar su adorado barco perdido, el Perla Negra. Pero a la mágica fuente también aspira no sólo la Marina española, que va tras los pasos del descubridor español Ponce de León, sino también el malvado pirata Barbanegra (Ian McShane) y su gran enemigo, el corsario Barbosa (Geoffrey Rush), siguiendo órdenes del Rey de Inglaterra.

En su periplo, Sparrow se cruza con Angélica (Penélope Cruz), la guapa hija de Barbanegra, una enigmática mujer de la que no está nunca seguro. Todos ellos han de cruzar unos mares infestados de bellas y mortíferas sirenas, a una de las cuales capturan (Astrid Bergès-Frisbey) para obtener una de sus lágrimas que sirva para la pócima de la eterna juventud.

Esta apabullante película, con tantos registros y de un guión inteligente y ágil, es sin embargo muy fácil de seguir. Su trepidante acción –y más en 3D- es envolvente, gracias a su montaje, música poderosa y a su fotografía en los bellísimos escenarios de Hawaii, tanto en los momentos “realistas” como en las escenas oníricas. Por ejemplo, las secuencias de las sirenas, presentadas como criaturas homéricas, son verdaderamente mágicas.

Las historias de Will Turner (Orlando Bloom) y Elizabeth Swann (Keira Knightley) ya se resolvieron en la entrega anterior, así que no se les echa demasiado de menos. Y en ésta tanto los antiguos como los nuevos personajes consiguen ser también muy carismáticos. Como siempre, Johnny Depp está magnífico en su papel de Sparrow y Penélope Cruz en el de la embaucadora Angélica.

Es una película con la que se disfrutará mucho, pero mejor a partir de los 13 ó 14 años.

Thor

2011-04-28T02:10:00.001-07:00

La épica aventura traslada el universo Marvel desde el reino mítico de Asgard a la Tierra en el presente. Una trepidante historia, dirigida por Kenneth Branagh, que cuenta la historia del dios vikingo del martillo Thor (Chris Hemsworth), hijo de Odín, y príncipe heredero del reino de Asgard.

Arrogante, impulsivo y ansioso por mostrarle su valía a su padre, Thor reaviva imprudentemente una antigua guerra con el eterno enemigo. Por su desobediencia, el rey Odín (Anthony Hopkins) le destierra a la Tierra y le quita el martillo, despojándole de sus poderes. En Nuevo México, un lugar desértico, se ve obligado a vivir como un ser mortal. Allí encuentra a Jane (Natalie Portman), una científica –que sin embargo cree en la magia (¡!)- que le comprende y le ayuda. Mientras tanto, su hermano Loki (Tom Hiddleston), siempre segundón y celoso de Thor, traiciona a los suyos y trata de hacerse con el trono..

La tesis de la película es que estos “dioses”, venerados por la mitología nórdica, no son tales, sino habitantes mortales -aunque con poderes mágicos- de otros mundos, que en alguna ocasión se topan con los humanos.

La historia es convencional al máximo, pero la película es muy entretenida. Tiene unos efectos especiales magníficos y unos escenarios verdaderamente bellos e imaginativos, con brillantes constelaciones del universo y mundos fabulosos. Además, no descuida del todo ciertos valores, como la importancia de la lealtad o de la reflexión en las decisiones. La mucha violencia que contiene es puramente de cómic. El director la ha dejado abierta para una posible segunda parte.

Merece la pena verla en versión 3D. Gustará mucho a los jóvenes.

El amor y otras cosas imposibles

2011-04-20T09:00:00.000-07:00

Esta película costumbrista narra, a veces de forma amarga y a veces divertida, la difícil adaptación de Emilia (Natalie Portman) a su nueva situación familiar. Tras romper el matrimonio de su jefe, un importante abogado (Scott Cohen), se casa precipitadamente con él, pero tiene que ganarse a su hijo William (Charlie Tahan). Al mismo tiempo, debe superar el trauma por haber perdido a la hija de ambos por muerte súbita.

Emilia se esfuerza, a pesar de su tristeza, por conectar con su nuevo hijastro, un chico complejo de 8 años lleno de manías, de alergias, y bastante repelente, pero le cuesta entenderse con el precoz niño. También está intentando superar un prolongado distanciamiento en la relación con su padre debido a la infidelidad de él. Y por si fuera poco, lidiar con las constantes intromisiones de la celosa ex-mujer de su marido, Carolyn (Lisa Kudrow).

Natalie Portman, que no para de hacer películas, tiene uno de sus registros más convincentes en esta comedia dramática, bastante amarga y cínica por otra parte, en la que las parejas rotas, los niños solitarios y las difíciles –por egoístas y poco enraizadas- relaciones de pareja, propician que el amor sea algo bastante complicado, “imposible” e incluso agotador. Para adultos.

Hop

2011-04-14T07:36:00.000-07:00

En Estados Unidos existe una tradición que dice que la víspera por la noche del Domingo de Pascua un conejo deja escondidos por la casa o el jardín huevos y chucherías a los niños. Sobre esta costumbre –que puede parecer tonta pero que es por el estilo de nuestro Ratoncito Pérez-, el director Tim Hill, de “Alvin y las ardillas”, y los creadores de “Gru, mi villano favorito”, se unen para realizar esta divertida y colorida película, mezcla de animación digital de última generación con acción real. La conjunción tecnológica es impresionante y demuestra la gran evolución de esta industria de la animación desde la mítica película “¿Quién engañó a Roger Rabbit?”.

"Hop” es la historia de un rebelde conejito de pascua adolescente, cuya pasión es tocar la batería y su sueño formar un grupo musical. La víspera de Pascua decide que quiere vivir su propia vida y huye de la enorme fábrica de golosinas de la isla de Pascua o Rapa Nui. Todo la producción es controlada por conejos y pollos: chicles de todos los colores, cascadas de brillantes gominolas, cantidades ingentes de chuches y tinajas llenas de delicioso chocolate con leche. La víspera del Domingo de Pascua, los dulces se cargan a bordo de un gran trineo en forma de huevo tirado por unos polluelos y se reparten mágicamente por todo el mundo la noche previa a la Pascua.

En el mundo real, Hop es atropellado accidentalmente por Fred (James Marsden), un treintañero en paro al que no le queda más remedio que acoger en su casa al revoltoso conejo hasta su recuperación, lo que dará lugar a surrealistas y divertidas situaciones. Mientras, aprovechando el caos que se produce con la huída de Hop, Carlos, el pollo mano derecha del Conejo de Pascua, pretende hacerse con el poder.

El paralelismo con Santa Claus es inevitable desde el primer momento. Lo original es que aquí se cuenta por primera vez la “historia” del Conejo de Pascua, inventándose una nueva mitología. Los Morancos prestan su voz a los pollos Carlos y Felipe, dos de los personajes más graciosos de la película, y el actor David Hasselhoff hace un simpático cameo en ella. Gustará a toda la familia y especialmente a los más pequeños.

La Legión del Águila

2011-04-08T03:28:00.000-07:00

Basada en la novela El águila de la Novena Legión, de Rosemary Sutcliff, el director escocés Kevin Macdonald ha convertido esta interesante historia en una excelente película de aventuras ubicada en la época romana.

En el año 140 d.C., 20 años después de la extraña desaparición de la Novena Legión en las montañas de Escocia y la pérdida del Águila dorada, el joven centurión Marco Flavio Aquila (Channing Tatum) llega desde Roma para resolver el misterio y limpiar la reputación de su padre, el comandante de la Novena Legión. Con su esclavo britano Esca (Jamie Bell, conocido por su papel en el joven bailarín Billy Elliot) por toda compañía, Marco cruza el Muro de Adriano, límite del mundo romano, y se adentra en las desconocidas colinas de Caledonia para tratar de recuperar el Águila de la legión pérdida. Allí se tendrá que enfrentar a desconocidos peligros y tratar de resolver el misterio de la desaparición de la Novena Legión. El veterano actor Donald Sutherland interpreta al tío de Marco.

Se trata de una conmovedora historia de honor, amistad y lealtad que traspasa los odios y las enemistades, trepidante en muchas secuencias –aunque la violencia que tiene no es explícita- y con una puesta en escena realista y de bella fotografía. Rodada en los highlands escoceses y en bosques húngaros, esta película “de romanos” se aleja bastante de los tópicos del género para centrarse en las relaciones humanas. Recomendada para jóvenes.

Encontrarás dragones

2011-03-22T10:14:00.000-07:00

Impresionante historia basada en hechos reales sobre dos amigos de la infancia, que escogen caminos diametralmente opuestos: uno el del amor, y el otro en del odio. Ambientada la mayor parte en la convulsa época de la Guerra Civil española, contada en flashback.

El relato comienza en 1982, cuando un periodista, Roberto Torres (Dougray Scott), que quiere escribir sobre el Opus Dei, visita a su padre, ya muy viejo, al descubrir su amistad con Josemaría Escrivá de Balaguer (Charlie Cox), sacerdote y fundador del Opus Dei (“el santo de lo cotidiano”, como le llamó Juan Pablo II). Su padre, Manolo Torres (Wes Bentley), fue un espía del bando nacional inflitrado entre los republicanos. En su doble vida, Manolo se enamora de una bella miliciana, Ildiko (Olga Kurylenko), pero ella escoge al valiente líder Oriol (Rodrigo Santoro), lo que desencadena el rencor de Manolo y la tragedia.

Como un bálsamo en medio del odio fratricida y la guerra, la figura de un sacerdote joven, quien con su “Obra de Dios” y un puñado de jóvenes estudiantes, trabaja por Dios y un mundo mejor. Roland Joffé es el afamado director de este épico film. Ha dirigido también películas de la talla de “La Misión” y “'Los gritos del silencio” (ambas ganadoras de diversos premios y de tres Oscar). En ésta se repite su maestría en el manejo de dramas de trasfondo trascendente, donde los hombres y mujeres buscan el sentido de la vida y la esperanza.

Joffé, judío, de izquierdas y agnóstico declarado, ha realizado un excelente trabajo con un argumento bastante delicado. Ha reproducido una ambientación portentosa, una música bellísima, una fotografía y un montaje extraordinarios. Ha sabido encontrar, además, unos actores a los que ha dirigido magistralmente, entre ellos tambien los españoles Jordi Mollá, Ana Torrent, Unax Ugalde y Geraldine Chaplin. La historia interesa desde el principio al fin, es absolutamente trepidante. Y se agradece mucho que, pese a tocar el tema de la guerra civil española, tan maltratado por el cine y la televisión en nuestro país, por una vez no es maniquea, ya que en uno y otro bando hubo héroes y gente mezquina.

Nos muestra, además, la fuerza arrolladora del amor y de la reconciliación, que tanto necesitamos hoy también, como motor para vencer a los siniestros dragones. Es uno de los grandes estrenos de este año que no hay que perderse.

Mañana, cuando la guerra empiece

2011-03-03T03:01:00.000-08:00

Escrita y dirigida por Stuart Beattie, guionista de la saga Piratas del Caribe y Collateral, la película es un film de acción dirigida a un público juvenil, basada en una novela homónima de John Marsden.

Narra la historia de ocho amigos de instituto de un pueblo costero australiano, cuyas vidas se ven violentamente convulsionadas por una invasión militar desconocida que les obliga a reunir el coraje y la decisión para sobrevivir. En medio del drama, se abordan, con más o menos acierto, temas humanos universales como la amistad, el liderazgo y la valentía.

Ellie (Caitlin Stastey) y su grupo de amigos del instituto deciden vivir una última aventura antes de que acaben las vacaciones de verano: una acampada en un valle paradisíaco, donde disfrutan de la amistad y de la vida al aire libre. Al volver al pueblo, descubren que todo el mundo ha desaparecido y que el enemigo ha montado una especie de campo de concentración con todos los habitantes. Los adolescentes deciden no quedarse quietos y tratar de hacer algo aún a riesgo de sus vidas. De una vida fácil y muelle pasan de repente a ser maduros y a realizar acciones de las que nunca se hubieran sentido capaces.

A pesar de estar bien dosificado el drama y los personajes bien definidos –el speach del pasota Cris ante sus atónitos y agotados compañeros es lo mejor de la película-, le falta algo a la historia. La guerra es la excusa para presentar las diferentes actitudes de los jóvenes, con un retrato psicológico de cada uno bien pergeñado: la chica líder y dura, el cobarde, la ñoña religiosa hasta la ridiculez, el camorrista, la acomplejada, el guaperas… etc.

Su final presagia que, si tiene éxito, habrá más entregas de las aventuras del grupo. Para jóvenes.

El estudiante

2011-02-23T01:30:00.001-08:00

Se trata de una película mexicana llena de ternura, que aborda sin temor las grandes verdades existenciales, con nombres y apellidos.

Cuenta la historia de Chano (Jorge Lavat), un hombre de 70 años que decide cumplir su sueño inscribiéndose en la Universidad para estudiar Literatura. Pero se encuentra con el mundo de los jóvenes, de costumbres y tradiciones tan diferentes a las suyas. Al principio, ha de luchar contra el rechazo y la extrañeza de sus compañeros, pero él -como un Quijote actual, al que alude con frecuencia y al que se parece en sus ideales y hasta en su físico- logra atravesar la brecha generacional que los separa y se convierte en una referencia para su “panda” en los momentos felices y en los difíciles, con su lema “no importa cuántas veces cae uno, sino cuántas veces se levanta”.

Dirigida por Roberto Girault, la película se estrenó en México con una excelente acogida por parte del público, convirtiéndose en un éxito de taquilla y alzándose con 6 diosas de Plata, entre ellas a la Mejor Película y al Mejor Director. El film trata la tragedia, el amor, el romanticismo y la entrega, la amistad, y los momentos de humor y ternura, como la vida misma; un ejemplo es la encantadora relación del matrimonio formado por Chano y Alicia (Norma Lazareno), a la que él llama su “sirenita”. Un grupo de jóvenes actores les acompañan en la aventura: Cristina Obregón, Pablo Cruz Guerrero, Siouzana Melikian, Jorge Luis Moreno y Cuauhtémoc Duque, entre otros.

“Hacer cine –dice su director Roberto Girault- es hacer pensar a mucha gente, y lo que quisiera es que con esta película la gente salga reflexionando, salga satisfecha, con un buen sabor de boca y, sobre todo, salga con un buen y estimulante sentimiento”. Y así es. Para jóvenes.

Valor de ley

2011-01-27T07:58:00.001-08:00

Con 10 nominaciones a los Oscar, incluyendo el de mejor película y mejor actor -Jeff Bridges-, se trata de un western duro y descarnado, pero conmovedor, dirigido por los hermanos Joel y Ethan Coen, y producido por Steven Spielberg, entre otros. Está basada en el libro de Charles Portis del mismo nombre.

El padre de la niña de catorce años Mattie Ross (Hailee Steinfeld) es asesinado a sangre fría por el cobarde Tom Chaney (Josh Brolin) y ella está dispuesta a que se haga justicia y llevarlo ante la horca. Para ello, y llena de resolución, busca la ayuda del jefe de la policía local, Rooster Cogburn (Jeff Bridges), un borracho presuntuoso pero que se las sabe todas, y le convence para atrapar a Chaney. Pero también le quiere dar caza el Ranger de Texas Laboeuf (Matt Damon) por haber matado a un senador. En territorio indio, los tres encuentran numerosas dificultades para conseguir su objetivo y chocan constantemente los caracteres. Sólo la tenacidad de la pequeña logra unirlos.

El film, con una fotografía del invierno crudo en Arkansas de gran belleza, es interesante hasta el final. El código de honor que en el fondo lleva todo ser humano a pesar de estar curtido por la vida, y la confianza ciega en la fuerza de la ley y la justicia, son los dos valores más sobresalientes de la cinta, que no ahorra momentos crueles y tensos, como los vividos en el refugio del bosque. El papel de la niña es, sin embargo, conmovedor: lista, segura de sí misma, cándida e insolente al mismo tiempo, sincera y luchadora, es como el contrapunto de dignidad ante un ambiente tan desprovisto de humanidad.

Se trata de una buena película que gustará a los amantes del género. Jóvenes/adultos.

La llave de Sarah

2010-12-30T02:57:00.000-08:00

Impresionante historia basada en la novela homónima de Tatiana de Rosnay, llevada al cine por Gilles Paquet-Brenner. El estreno en España viene precedido por un notable éxito comercial en Francia, así como de un reconocimiento en festivales internacionales, como el de Tokyo, donde ha obtenido los premios a la mejor dirección y del público. La película clausuró la pasada edición del Festival de Cine de San Sebastián.

En el París ocupado por los nazis, la policía francesa se lleva en una redada a Sarah, una niña judía de 10 años, y a su familia para ser deportados a campos de exterminio. Desesperada por proteger a su hermano pequeño, Sarah lo encierra con llave en un armario del dormitorio, su pequeño escondite secreto, y le promete volver a por él en cuanto les liberen. Sesenta y siete años más tarde, la historia de Sarah se mezcla con la de Julia Jarmond, una periodista estadounidense afincada en Francia que escribe un artículo sobre la redada de 1942. Durante su investigación, Julia descubre un secreto que liga su propia vida a la de Sarah, en medio de la incomprensión de su familia y con los problemas personales que arrastra tras comprobar que está embarazada y que su marido quiere que aborte.

La película, que mezcla con las dosis adecuadas de tragedia las secuencias del pasado con la actualidad, es un interesantísimo drama protagonizado por Kristin Scott Thomas, como Julia, y la jovencísima Mélusine Mayance en el papel de Sarah. El realismo impresionista con que están filmadas las escenas del velódromo y la brutal separación de las familias en el campo de concentración contrasta con la ternura de muchos momentos, como la compasión del gendarme o la actitud de los toscos aldeanos que esconden a Sarah. No obstante, los acontecimientos trágicos de las deportaciones en masa de judíos en los países ocupados por los nazis son tratados de una manera contemporánea, con una acertada actitud sobre qué hubiera hecho entonces cualquier persona actual que deplora los hechos, sin encasillar actuaciones u omisiones.

Se trata de una película muy recomendable, que hace pensar y vibrar con una tragedia histórica que, como hizo Julia, podemos hacer nuestra. Jóvenes/adultos.

El discurso del Rey

2010-12-22T01:21:00.001-08:00

Soberbia película británica, favorita de los Globos de Oro, con 7 nominaciones, y una de las firmes candidatas hacia los Oscar. Protagonizada por Colin Firth, Geoffrey Rush y Helena Bonham Carter y dirigida por Tom Hooper, está basada en la historia real del rey Jorge VI de Inglaterra, padre de la actual reina Isabel.

Ambientada en los años previos a la II Guerra Mundial, esta comedia dramática relata la inusitada amistad entre un hombre que hubiera preferido no ser rey, Jorge VI, y su excéntrico logopeda, un actor australiano frustrado que utiliza técnicas poco convencionales para ayudar al monarca a dominar su tartamudez y unir así a su país ante la decisión de entrar en la guerra contra Alemania.

Tras la muerte de su padre, el rey Jorge V y la escandalosa abdicación del príncipe Eduardo VII, Bertie (Colin Firth), afectado desde siempre de un angustioso tartamudeo, asciende de pronto al trono como Jorge VI de Inglaterra. Su país se encuentra al borde de la guerra y necesita desesperadamente un líder, por lo que su esposa Isabel (Helena Bonham Carter), la futura reina madre, le pone en contacto con un excéntrico logopeda llamado Lionel Logue (Geoffrey Rush). A pesar del choque inicial, los dos se sumergen de lleno en una terapia poco ortodoxa que les llevará a establecer un vínculo inquebrantable. Con el apoyo de Logue, su familia, su gobierno y Winston Churchill (Timothy Spall), el rey pronuncia un discurso radiofónico que inspirará a su pueblo y lo unirá en la batalla.

Si bien se supone el final, no por eso deja de ser la película una conmovedora e interesantísima narración, con personajes bien dibujados: los complejos de Jorge VI; el tesón, la ternura y la confianza de la reina Isabel; el ingenioso y rudo logopeda; el melifluo y antipático arzobispo; y el hermano botarate que abdica y deja a su país en un momento de crisis tras encapricharse de Wallis Simpson. Un guión inteligente, con tomas de cámaras audaces y un montaje vivo, que recogen secuencias de gran tensión dramática, primeros planos del odiado micrófono, cual monstruo voraz, y momentos de buen humor inglés. Una película, con una historia humana, para disfrutar.

El último bailarín de Mao

2010-12-16T03:29:00.001-08:00

Drama basado en la historia real del bailarín chino Li Cunxin y llevado al cine por Bruce Beresford (“Paseando a Miss Daisy”) y guión de Jan Sardi, partiendo de la propia autobiografía de Li Cunxin, un éxito literario en Australia, país donde reside actualmente con su familia.

La acción comienza en plena revolución cultural. Li, con 11 años, es sacado de un pequeño pueblo de China por delegados culturales y enviado a Pekín para iniciar su formación como bailarín clásico. Allí comienza un increíble viaje vital que le llevará a pasar años de entrenamiento brutal, superando sus limitaciones físicas, pero dando ejemplo de voluntad de hierro. Acaba por ello convirtiéndose en uno de los mejores bailarines del mundo, aclamado como un héroe de la China comunista y, más tarde, despreciado por traidor y antipatriota. Tras aprovechar una beca de formación en una prestigiosa compañía de ballet americana, Li decide quedarse en Estados Unidos, donde descubre la libertad y la posibilidad de medrar en su carrera, a pesar de la oposición de las autoridades chinas. Su dramática opción le lleva a desligarse de su pueblo y de su familia, lo que le aísla y le hace sufrir mucho.

La película está muy bien narrada, rodada en tres localizaciones: China, Estados Unidos y Australia, combinadas con la técnica del "flash-back". La Revolución Cultural china –momento en que se desarrolla la historia- está bastante suavizada, pero la puesta en escena es muy objetiva con técnicas fotográficas especiales que muestran la dureza de la época y del régimen totalitario chino.

El personaje de Li lo interpretan tres actores diferentes (Li de niño, joven y adulto), gracias a la colaboración del Birmingham Royal Ballet –de donde procede el actor principal, Chi Cao-, del Australian Ballet, y del Hong Kong Ballet. Los personajes son entrañables y cercanos -el viejo profesor chino, los padres de Li, su mentor en Estados Unidos-, y son muy realistas los momentos de dolor y de triunfo de Li, las sublimes secuencias de ballet, la tensión vivida en la escena del consulado chino o la poética escena final de la película.

Es muy bonita. Para jóvenes/adultos.

Megamind

2010-12-02T09:12:00.001-08:00

Megamind es un supervillano que durante años ha estado intentando conquistar Metro City de mil maneras con la ayuda de su secuaz y protector Esbirro. Pero cada intento ha sido un gran fracaso por culpa del superhéroe con capa Metro Man, un invencible guaperas con bíceps y aires de estrella de cine. Pero un día, Megamind le “mata” por pura casualidad en el curso de uno de sus malvados y enrevesados planes, y, de repente, Megamind se queda sin objetivos y sin nadie que le haga sombra. Su vida ya no tiene sentido, así que decide que la única forma de salir de su estancamiento es crear un nuevo contrincante llamado Titán. Rápidamente, Titán empieza a pensar que es mucho más divertido ser malo que bueno, e intenta destruir el mundo. Entonces, Megamind tiene que decidirse: ¿podrá derrotar a su diabólica creación y convertirse así en el “bueno” de la historia? ¿Conquistará el corazón de Roxanne, la chica de sus sueños?

De DreamWorks, el mismo estudio que produjo “Shrek”, “Madagascar” y “Kung Fu Panda”, la película es un delicioso y espectacular cómic, lleno de escenas carcajeantes y detalles llenos de chispa, que trata de una forma muy gráfica el eterno dilema del destino: no son las circunstancias las que forjan nuestro modo de ser y actuar, sino la decisión personal por conseguir una meta o unos objetivos. La moraleja está muy clara: el determinismo pesimista y la moda tan vigente de pensar que es la sociedad la culpable de que haya delincuentes, indeseables y criminales, no se sostiene lo más mínimo: a pesar de tantas cosas adversas o de la buena o mala educación recibida, es uno mismo quien tiene las riendas de su propio destino, quien decide qué hacer con su vida. Como Metro Man, bueno pero insatisfecho, y su perezoso retiro…

Los gráficos son impresionantes, la producción impecable en el uso magistral del 3D. Esta historia de buenos y malos, llena de parodias y de humor, gustará a todos. Es vibrante y, al mismo tiempo, muy tierna. Es una de las mejores opciones para esta Navidad. No os la perdáis.

Bon Appétit

2010-11-08T04:21:00.000-08:00

Daniel (Unax Ugalde), un joven y ambicioso chef español, acaba de conseguir su sueño: una plaza en el prestigioso restaurante de Thomas Wackerle (Herbert Knaup) en Zurich. Su extraordinario talento le servirá a Daniel para progresar en la exigente cocina de Wackerle, pero no podrá evitar que su relación con Hanna (Nora Tschirner), la atractiva somellier del restaurante, se transforme en algo más que una simple amistad. Esta inesperada situación volverá del revés el ordenado mundo de Daniel, en el que de momento el amor no tiene cabida.

Ópera prima del español David Pinillos, que con esta película triunfó en la pasada edición del Festival de Málaga de Cine Español, donde se alzó con 6 galardones: Premio Especial del Jurado (Mejor Película), Premio Jurado Joven (Mejor Película), Premio de la Asociación de Escritores Cinematográficos de Andalucía (Mejor Película), Premio Egeda al Mejor Guión, Premio al Mejor Actor (Unax Ugalde) y Mención Especial a la actriz Nora Tschirner.

Es un film que me gustó, amable de ver, con guiones acertados y un excelente montaje, que hace que el interés no decaiga en ningún momento. Contiene escenas memorables, como la de la cena improvisada en casa de Hanna, o el paralelismo entre el ritmo trepidante y nervioso de la cocina del restaurante y la placidez elegante del comedor. La música integra la acción sin molestar, acorde con la bellísima fotografía de un Zurich invernal, al mismo tiempo vetusto y vanguardista.

También se plantean temas morales, como la relación de lealtad entre amigos y compañeros, bien resuelta, aunque hace gala de un relativismo sexual nada extraño en las producciones europeas, especialmente españolas. Para adultos.

Los ojos de Julia

2010-10-30T02:32:00.001-07:00

Julia recibe la noticia de la inesperada muerte, por suicidio, de su hermana Sara que hace poco se ha quedado ciega por una enfermedad genética degenerativa. Pero Julia es incapaz de aceptar esta versión y empieza a investigar por su cuenta las extrañas circunstancias de la muerte de su hermana. Y va entrando en una maraña terrorífica, que sólo parece percibir ella, mientras trata de superar además una trágica adversidad: ella misma padece también la enfermedad genética degenerativa que le provocará la pérdida progresiva de la visión. Debe darse prisa antes de quedarse ciega del todo.

Se trata de un thriller gris y descarnado, dirigido por Guillem Morales y coproducido por Guillermo del Toro, autor también de “El orfanato”, y protagonizado por Belén Rueda (Sara/Julia) y Lluis Homar, en el papel de su marido Isaac. Intervienen también Pablo Derqui, en el papel de Iván, y Julia Gutiérrez Caba, como doña Soledad.

El film emplea una fotografía oscura y utiliza mucho la visión subjetiva y defectuosa de Julia, lo que acentúa el terror en ciertas situaciones, ante lo desconocido de las presencias ocultas. También muestra la ceguera en general como un submundo aparte, pavoroso y cruel –la escena del grupo de ciegas en los vestuarios es sórdido hasta la saciedad-, sin futuro y sin esperanza.

Contiene escenas bastante desagradables y es muy irregular en la narración. No explica nada y sólo juega con el terror –psicológico y, a veces, explícito- de los personajes. Eso sí, Belén Rueda está espléndida y ha sabido captar muy bien la manera de “mirar” o moverse de las personas ciegas. Sólo para adultos.

Campanilla y el Gran Rescate

2010-09-03T08:06:00.000-07:00

En un hermoso lugar del bosque viven las hadas al margen del mundo de los humanos. Una de ellas, Campanilla, es especialmente curiosa y un día se arriesga a espiar más de cerca al Dr. Griffiths y a su hijita Lizzy, que acaban de instalarse en una casa junto al bosque.

Lizzy cree en las hadas y construye una pequeña casita para ellas en su jardín. Así, se entretiene de su soledad ya que su padre, un científico que sólo cree en las cosas que ve, nunca tiene tiempo para jugar con ella. El caso es que Campanilla se queda encerrada en la casita de hadas de Lizzy y ésta la descubre. Se hacen amigas y Lizzy está ansiosa por contarle a su padre su descubrimiento, pero al mismo tiempo teme que se lleve a Campanilla al Museo de Londres como objeto de estudio. Mientras, el hada Vidia y el resto de sus amigos planean liberar a Campanilla del peligro pese a poner en riesgo sus propias vidas.

Esta película de animación de Walt Disney, como las anteriores de la saga de Hadas (“Campanilla” y “Campanilla y el tesoro perdido”), está llena de color y de magia para los más pequeños de la familia: polvo dorado de hada, aventuras y peligros, fantasía y amistad por encima de todo, son los ingredientes de esta película llena de encanto. Una producción muy cuidada, llena de detalles, con unos fondos espectaculares y una animación de alta calidad. Gustará mucho a las niñas... y también a las no tan niñas.

El Aprendiz de Brujo

2010-08-25T04:27:00.000-07:00

De nuevo la Walt Disney se une al productor Jerry Bruckheimer, y, de la mano del director Jon Turteltaub, realizan esta comedia de aventuras sobre un hechicero y su torpe y acomplejado aprendiz, que se ven arrastrados al epicentro de un antiguo conflicto entre el bien y el mal.

Balthazar (Nicolas Cage) es un brujo milenario que recorre el mundo hasta encontrar a su aprendiz y lo halla en el Manhattan de nuestros días. Allí debe defender la ciudad de su antiguo enemigo Horvath (Alfred Molina) y tratar de liberar de un maleficio a su amada Verónica (Mónica Bellucci), encerrada en una especie de tarro.

Pero tanto trajín Balthazar no puede hacerlo solo, así que recluta a Dave (Jay Baruchel), un estudiante normal y cobardica que oculta, sin saberlo, un gran potencial de magia heredado de su antepasado Merlín. Juntos deberán vencer a la malvada bruja Morgana y a sus secuaces, incluido un siniestro brujo chino y su dragón. Al mismo tiempo, Dave tendrá que salvar a Becky (Teresa Palmer), la chica que ama.

Con un guiño musical a “El aprendiz de brujo” de la mítica “Fantasía” –sin duda, la mejor escena de la película-, todo lo demás es una aparatosa, ruidosa y embrollada sucesión de escenas de acción con espléndidos, eso sí, efectos especiales. La historia, por lo demás, es un típico producto para adolescentes: muchas escenas de luchas, mucho espectáculo, magia a raudales, unas gotas de amor y argumento sin demasiada sustancia.

Airbender, el último guerrero

2010-07-27T07:49:00.000-07:00

Basada en la serie animada de televisión de Nickelodeon “Avatar: The Last Airbender”, esta película de acción real, dirigida por M. Night Shyamalan para la Paramount, recrea un mundo épico desmesurado, protagonizado por la fantasía y las artes marciales.

La civilización humana se divide en cuatro naciones: Agua, Tierra, Aire y Fuego. La Nación del Fuego está librando una guerra despiadada y opresiva contra las otras tres naciones. El héroe de la película, un maestro del Aire, el joven Aang (Noah Ringer), es el avatar reencarnado que, de acuerdo con la profecía, tiene la capacidad de regir todos los elementos y de unir de nuevo todas las naciones en la paz. Ayudado por una maestra del Agua llamada Katara (Nicola Peltz) y su hermano Sokka (Jackson Rathbone), Aang emprende un peligroso viaje para devolverle el equilibrio a su mundo destrozado por la guerra.

Rodada en 2D, aunque reconvertida al 3D en postproducción, se trata a pesar de todo de una aventura mediocre y muy tediosa, que no llega a atrapar al espectador. La música es envolvente y cansina, no da un respiro. Los guiones no sabes por dónde van, ni explican bien las razones que mueven a los personajes. Y en cuanto al reparto, en su mayoría joven, el único que es convincente es Dev Patel (el entrañable Jamal protagonista de “Slumdog millionaire”), que interpreta al vengativo príncipe Zuko. Tiene, eso sí, espectaculares efectos especiales y escenarios grandiosos.

Por su mucha acción y poca sustancia, gustará a adolescentes aficionados a los videojuegos y a los cómics.

En la boda de mi hermana

2010-06-26T11:24:00.000-07:00

Beth (Kristen Bell) viaja a Roma para asistir a la boda de su hermana. Allí conoce a Nick (Josh Duhamel), un reportero amigo del novio, y se atraen mutuamente. Pero desilusionada con él, desafía a la estatua de una “diosa del amor” y recoge unas monedas de su fuente. En ese momento provoca la pasión de los propietarios de aquellas monedas: un viejo magnate de salchichas, un mago callejero, un pintor bohemio y un modelo narcisista, que la persiguen a todas horas disputándose su amor. De vuelta a Nueva York se reencuentra con el encantador reportero, y piensa que él también está bajo la influencia del embrujo. Así que tiene que buscar la manera de deshacer el hechizo para tratar de averiguar si su amor es el verdadero.

Éste es el estúpido argumento de una estúpida comedia con unos estúpidos guiones, sin chispa, sin energía, sin ni siquiera gracia. Prometía algo mejor: el contraste de dos ciudades como Nueva York y Roma, el entorno glamouroso de una boda, unos protagonistas atractivos. Pero es todo tan ñoño e insulso… Una de las películas más aburridas y bobas que he visto en muchos años.

La última cima

2010-06-09T08:30:00.001-07:00

Es la historia real y conmovedora de un sacerdote llamado Pablo Domínguez, decano de la Facultad de Teología de San Dámaso, que murió en 2009 en un accidente de montaña con tan sólo 42 años. Ha sido una productora española, Infinito Más Uno, la que se ha encargado del proyecto, con más dosis de creatividad e ingenio que de presupuesto, aunque la cinta resulta una emotiva e incluso divertida película.

Juan Manuel Cotelo, el director, presenta él mismo el film de una manera poco convencional, hablando de la dificultad de haberse “metido en líos” al acometer esta tarea, ya que no se trata de un cura pederasta, ni ladrón, ni manipulador ávido de poder, ni, en el mejor de los casos, un misionero en una selva perdida. Sino de un sacerdote “normal”, cuya vida merece ser contada por sus numerosas cualidades: alegre, piadoso, listo, intelectual, apuesto, cercano, entregado a los demás. Todos los que le conocieron guardan recuerdos personales imborrables de su amistad y cariño y cuentan testimonios conmovedores.

Con insistencia le pedían que predicara ejercicios espirituales. Y no sabía decir que no. Eso le llevó al convento cisterciense de Tulebras (Navarra) en febrero de 2009. Les habló de la muerte, y lo hizo con alegría. Al día siguiente subió al Moncayo, la única cima española de más de 2.000 metros que le quedaba por conquistar. Las últimas palabras que dijo a su familia por teléfono, unos minutos antes de morir, fueron: «He llegado a la cima».

El director muestra el testimonio de muchas personas que trataron a Domínguez: otros sacerdotes y obispos, alumnos y alumnas de la facultad de teología de San Dámaso, padres y hermanos, amigos... También hay fragmentos de una conferencia, de una entrevista y de unos ejercicios espirituales.

Pero el acierto es combinar todo este material con la opinión de personas de la calle que hablan de lo que piensan de los sacerdotes en la actualidad. Lo que le permite abordar temas como el celibato, la celebración de la misa y lo que debe ser un sermón, la confesión, los momentos de contradicción, la muerte...

Merece la pena ir a verla cuanto antes, pues no durará mucho en los cines.

La última canción

2010-06-01T08:37:00.000-07:00

Basado en el último libro del escritor Nicholas Sparks “The last song” -que ha participado en el guión-, la Touchstone Pictures presenta un melodrama, romántico y algo lacrimógeno, que tiene lugar en una pequeña ciudad del sur de los Estados Unidos, en un paisaje idílico de la costa.

Un padre separado (Greg Kinnear) recibe durante el verano a sus dos hijos: una huraña adolescente, Ronnie (Miley Cyrus), que hubiera preferido pasar las vacaciones con su madre en Nueva York, y su hermano menor de 10 años, Jonas (Bobby Coleman), quien adora a su padre. El padre trata de volver a conectar con su hija a través de lo único que tienen en común, la música y el piano. En el pueblo, Ronnie a duras penas hace amistades y pasa por ser una chica rara, pero conoce a Will (Liam Hemsworth), un muchacho guaperas que esconde más de un secreto y un gran corazón.

Es una historia de perdón, de segundas oportunidades y de primeros amores. Valores como el bien y el mal, la lealtad y la amistad, el trabajo, la alegría de vivir y simpáticas pinceladas de ecologismo salpican toda la trama, que se hace muy entretenida. Una pena que, como siempre, todo arranque de una familia rota, y que las separaciones figuren como algo “inevitable” con el paso de los años.

Miley Cyrus, como chica rebelde, desempeña bien su papel; pero quien está verdaderamente soberbio es el pequeño Bobby Coleman, en su papel de Jonas, que transmite autenticidad en cada una de sus intervenciones. Buena música y escenas encantadoras como las rodadas en el Acuario o la de las vidrieras de la iglesia.

Aconsejo verla en versión original subtitulada, ya que –como suele ser habitual- pierde bastante al ser traducida. Chiflará a las adolescentes.

Prince of Persia: las Arenas del Tiempo

2010-05-20T04:11:00.000-07:00

Walt Disney y Jerry Bruckheimer, el equipo que llevó “Piratas del Caribe” a la pantalla grande, nos trae ahora esta aventura situada en la Persia del siglo VI. Dirigida por Mike Newell, director de “Harry Potter y el Cáliz de Fuego”, cuenta la historia de Dastan (Jake Gyllenhaal), un joven y rebelde príncipe, aunque de origen humilde, que tiene que huir de su país para no morir. Se ve forzado a unirse a la misteriosa y bella princesa Tamina (Gemma Arterton) para salvaguardar una antigua daga capaz de liberar las Arenas del Tiempo. La misteriosa daga, que quieren conseguir a cualquier precio los traidores, es un regalo de los dioses que tiene la capacidad de volver atrás el tiempo si se derrama de su empuñadura un poco de arena, y otorga, por ello, a su dueño el poder absoluto sobre el mundo, ya que puede cambiar los acontecimientos.

Fantasía trepidante a lo Indiana Jones, con efectos especiales de última generación en luchas y escenas de acción realmente inverosímiles, y una atmósfera mágica que se consigue con una fotografía sepia y la luz cegadora del sur de Marruecos, donde se rodó la mayor parte del film. De todo ello se obtiene una película muy Disney, una película de aventuras genuina, con traidores y hechiceros siniestros, serpientes espeluznantes, sortilegios, luchas y batallas, humor y mucho romanticismo. Y hasta una carrera de avestruces...

Un verdadero cuento a lo Aladino, que gustará mucho al público juvenil.

Robin Hood

2010-05-13T07:41:00.000-07:00

Russell Crowe vuelve a sus orígenes, es decir, a ser un gladiator en estado puro. Porque se unen de nuevo Ridley Scott (director de Gladiator) y Russell Crowe como héroe épico de una leyenda que ha sido llevada más de treinta veces a la pantalla grande, la primera en 1913 y la última en 2006. Todo el mundo recuerda la célebre versión protagonizada por Errol Flyn en 1938 o la de Kevin Costner en 1991.

¿Héroe o forajido? La película, que inauguró el Festival de Cannes, tiene un enfoque distinto del habitual: no se centra en las aventuras del proscrito “que roba a los ricos para darlo a los pobres” en el bosque de Sherwood, sino que explica cómo un hombre de humilde cuna se convierte en un símbolo de libertad para su pueblo y narra la razón de su ostracismo. Y en este sentido es un acierto, porque no es más de lo mismo.

El contexto histórico es la Inglaterra de principios del siglo XIII. Robin Longstride es un experto arquero al servicio del rey Ricardo Corazón de León, que vuelve de la Tercera Cruzada. Al morir el rey en el asedio a un castillo en Francia, Robin vuelve a Nottingham, una ciudad aplastada por los impuestos. Allí se enamora de lady Marion Loxley (Cate Blanchett), señora del lugar, al hacerse pasar por su marido, ya muerto, para que ésta no pierda sus posesiones. Pero comienza una guerra civil entre los partidarios del tiránico rey Juan y los nobles, que desean una monarquía regida por una Carta Magna que les garantice una cierta protección legal. Francia, además, intenta conquistar los territorios británicos al ver la debilidad y la ineptitud del nuevo rey. Robin se verá inmerso en estas luchas y sufre en sus carnes la venganza del rey.

La película, de Universal Pictures, tiene mucha acción, una fotografía y un movimiento de cámaras extraordinarios en las impresionantes escenas bélicas y una puesta en escena grandiosa, con atmósferas realistas y paisajes maravillosos rodados en Gales. El carcaj y las flechas cobran gran protagonismo, como el espectacular “vuelo” a cámara lenta de la saeta crucial que dispara Robin Hood en una de las escenas finales. Los compañeros de Robin, los merry men y el célebre fraile borrachín, son tratados con humor, y el personaje de Lady Marion, interpretado por Cate Blanchett, no se trata de una débil doncella, sino de una mujer con fuerte personalidad pese a la escuálida y pálida figura de la actriz, que recuerda mucho a la etérea Galadriel de “El Señor de los Anillos”.

Es una excelente película de principio a fin, muy visual, con un guión correcto (quizás con demasiadas explicaciones en off al principio), inscrita en un cuadro deslumbrante que parece trasladarnos totalmente al siglo XIII. Contiene bastante violencia, pero no es sangrienta ni desagradable. Para jóvenes/adultos.

El Pastel de Bodas

2010-05-03T01:32:00.001-07:00

Bérengère (Clémence Poésy) y Vincent (Jérémie Renier) se casan según dicta la tradición de la buena sociedad burguesa: de blanco y de etiqueta, en una pequeña iglesia en la campiña francesa y lo celebran en un magnífico chateau por todo lo alto. Siguiendo la costumbre, ambas familias y los amigos se encuentran en un bonito día de primavera. Pero enseguida se pone de manifiesto la forma de ser de cada uno, sus contradicciones, sus problemas, sus fobias y las relaciones difíciles entre unos y otros, incluso con momentos muy tensos y situaciones surrealistas. Además, durante la fiesta se descubrirá un grave secreto familiar que a todos trastorna.

En esta comedia de corte romántico, pero llena de un humor tremendamente ácido, el director francés Denys Granier-Deferre hace hincapié en la hipocresía de cierta sociedad que sigue ciegamente las costumbres sin creer ni poner el corazón en ellas. Y en ese aspecto estoy de acuerdo con esta crítica.

Sin embargo, las relaciones amorosas entre los personajes y especialmente todo lo que se refiere al matrimonio eclesiástico, está imbuido de mucho desencanto y crítica descarnada. Mucha gente se casa “por la iglesia” por lo lucida que es la ceremonia, sin creer en el sacramento ni en el compromiso de fidelidad que está adoptando de por vida. Hay momentos en que arranca la carcajada por lo bien que refleja este fenómeno social tan actual del boato sin alma.

Al ser una producción coral, los personajes están hábilmente dibujados, aunque tengan “pocas frases”, cada uno con su drama particular y sus prejuicios, como en el caso de la niña con Síndrome de Down. Lo que no se entiende bien es la actitud contradictoria del sacerdote, entre sus creencias, bastante rutinarias por cierto, y su modo de actuar: no tiene ningún sentido, y sin embargo, lo pintan como el elemento más humano.

Toda la película se inscribe en un marco de gran elegancia visual, de bellos planos, con un montaje sereno y una música llena de contrastes, de un clasicismo refinado, que a veces no “pega” con lo que está pasando, intentando llevar al desconcierto. Por ejemplo, la música es alegre cuando los personajes están tristes, y viceversa.

Es una película para adultos por la complejidad de los matices que narra.

Alicia en el País de las Maravillas

2010-04-06T09:32:00.000-07:00

La Walt Disney da una vuelta de tuerca más a uno de los cuentos más queridos de todos los tiempos. La “Alicia” de Tim Burton combina la belleza de los libros de Lewis Carroll “Alicia en el país de las Maravillas” (1865) y “A través del espejo” (1871) con increíbles efectos especiales, como no podía ser menos, y la magia del visionario director y su intérprete preferido, Johnny Depp.

La película contiene una incisiva crítica social, bastante caricaturizada. Alicia (Mia Wasikowska) tiene ya 19 años y se dispone a entrar en el mundo de los adultos mediante el compromiso matrimonial con un patán. Huyendo de tanto convencionalismo insoportable, cae por el agujero que la lleva de nuevo a la madriguera del Conejo Blanco. Allí se reencuentra, aunque ella no lo recuerde ya, con los antiguos amigos de su primera aventura cuando tenía 7 años: Tweedledee y Tweedledum, la sabia Oruga Absolem, el sonriente Gato de Cheshire, y por supuesto, el delirante Sombrerero Loco, al que da vida Johnny Depp. Pero también tiene que vérselas con la cabezona Reina Roja, interpretada por Helena Bonham Carter y con la cursi pero inquietante Reina Blanca, una bella Anne Hathaway. Alicia deberá cumplir una peligrosa misión.

La película no se parece en absoluto a la versión infantil de 1951 de la Walt Disney; es más bien una historia gótica, muy característica de Burton, llena de fantasía pero con momentos algo tétricos. La alocada merienda en el bosque entre el Sombrerero Loco, la Liebre de Marzo y el Lirón es para mí una de las escenas memorables y no defrauda.

Apenas hay decorados, todo está creado con efectos especiales e, incluso, muchas de las características personales están alteradas. Por ejemplo, la cabeza de la Reina Roja está manipulada en postproducción hasta parecer grotescamente hinchada, también se han agrandado ligeramente los ojos del Sombrerero Loco para darle esa mirada exaltada y el cuerpo de la Sota es totalmente virtual.

Un aspecto que merece la pena destacarse es el del vestuario. La diseñadora Colleen Atwood tuvo que emplearse a fondo para crear los trajes que viste la cambiante Alicia. Mientras el resto de los personajes no cambian de atuendo en todo el metraje, el rico guardarropa de la protagonista se transforma también al ritmo de sus vertiginosos aumentos y disminuciones de tamaño. La diseñadora tuvo que elaborar diferentes medidas de trajes del mismo diseño y con el mismo estampado y características.

La película responde a las expectativas y propaganda mediática creadas de antemano, pero no es una película infantil y yo no la recomendaría para menores de 8-10 años. Merece la pena verla en 3D.

Cómo entrenar a tu dragón

2010-03-29T03:00:00.001-07:00

Otra espectacular producción de animación en 3D de los creadores de “Shrek”, “Madagascar” y “Kung Fu Panda”. Dirigida por Chris Sanders y Dean DeBlois, “Cómo entrenar a tu dragón” llega de la mano de DreamsWorks, que ha comercializado también el divertido videojuego de la película para la PlayStation3, Xbox 360, la Wii y la Nintendo DS.

Ambientada en el arcaico mundo de los rudos vikingos y los míticos dragones, cuenta la aventura trepidante de Hipo, un enclenque vikingo adolescente, hijo del jefe, que no acaba de encajar en la antiquísima tradición de su tribu como cazadora de dragones. Hasta que derriba a Furia Nocturna, la especie más rara e imposible de matar de todos los dragones. Entonces se da cuenta de que toda la vida han estado viviendo en la ignorancia en relación a los dragones y que es posible ver el mundo desde otro punto de vista.

La película es excelente, tanto en el contenido, como en la forma. Las especies de dragones tienen un aire pokemon, con divertidos nombres (Nader Mortífero, Pesadilla Monstruosa, Cremallerus Espantosus o Muerte Roja) y características especiales que les hace únicos, así como su manera de cazarlos… o entrenarlos. Hipo siempre puede contar con sus amigos, especialmente con Astrid, la intrépida vikinga, que es la primera en sospechar que Hipo mantiene un secreto: su amistad con un dragón. Al mismo tiempo, el film suministra mensajes con valores, como que con frecuencia ubicamos nuestra vida y nuestra sociedad sobre pilares de prejuicios, que pocas veces nos escuchamos y que la discapacidad no le hace a uno menos valioso.

La animación, el desarrollo de la acción y los fondos de paisajes son bellísimos, por ejemplo, la escena de la aurora boreal, las imágenes que se desarrollan en el agua y el fuego, y los vertiginosos vuelos de los protagonistas a lomo de los dragones.

Es, desde luego, una película para disfrutarla en 3D y en IMAX. Niños y mayores lo pasarán en grande. Una opción estupenda para estas vacaciones de Semana Santa.

Los Niños de Timpelbach

2010-03-10T07:54:00.000-08:00

Adaptación de un cuento infantil que influyó enormemente en el guionista y director, Nicolas Bary, cuando lo leyó con 9 años. Ahora, ha cumplido su sueño de hacer esta película con los personajes y atmósfera que había imaginado desde la infancia.

En el pueblo de Timbelbach, una imaginaria y mágica aldea, los niños no hacen más que travesuras y se resisten a la autoridad de sus padres y maestra. Todos están hartos de ellos, hasta que deciden desaparecer 24 horas y ver cómo se las apañan sin ellos. Pero todo se complicará. Los niños, por su parte, se alegran de estar solos, pero acaban enfrentándose en dos bandas: la de los gamberros, encabezados por Oscar, y la de los juiciosos, liderados por Marianne, que decide que hay que trabajar para que todo funcione lo mejor posible.

La película, de firma francesa, cuenta en el reparto con Gerard Depardieu y Carole Bouquet, con papeles pequeños, junto a 25 niños entre los 7 y los 13 años, que son los que verdaderamente llevan el peso del guión. Todo se desarrolla en una atmósfera como de cuento de hadas, con multitud de detalles surrealistas a lo Tim Burtom, de gran colorido, y ubicado en un momento histórico intemporal. El vestuario de los adultos, por ejemplo, creado por Patrick Lebreton, es brillante y ecléctico, sobre todo el de la histriónica maestra, inspirado en el Siglo de Oro español, pero también los diferentes personajes visten como en la belle epoque, como en los años 30, con uniformes militares del siglo XIX o con togas y pelucas del XVII, según su papel. El de los niños es una mescolanza de estilos con bastante imaginación.

La excelente fotografía del film hace dudar de si la película se desarrolla en un escenario natural o en estudio. Se buscó en la Alsacia y en Aveyron un pueblo de aspecto medieval y mágico, y se acoplaron también excelentes decorados. Los maravillosos bosques otoñales pertenecen a Luxemburgo.

Pero la historia en sí es flojita y “dejà vu”: niños que se encuentran de repente solos y tienen que organizarse para comer, trabajar, etc, con el aliciente de que pueden hacer lo que quieran sin la cortapisa del adulto mandón. Son como los “niños perdidos” de Peter Pan. Aunque con intención crítica, se carga demasiado la mano en las escenas en que los niños, imitando el mal comportamiento de los adultos, se dedican al juego, a fumar y a beber, con ligeros detalles de crudo realismo. A pesar de todo, los niños estarán deseando reencontrarse con sus familias. El papel de los adultos no tiene matices, pero es así adrede, pues se quiere caricaturizar los roles sociales que encarnan: el alcalde, el alguacil, la maestra, el cura, los comerciantes…

“Los Niños de Timpelbach”, de la productora Filns&Pinículas, ha ganado un premio en el Festival Internacional de Cine de Gijón, es agradable de ver y divertirá a toda la familia.

The lovely bones

2010-02-10T11:57:00.000-08:00

Se trata de una fascinante historia, narrada por la propia protagonista, Susie Salmon, una chica de 14 años que cuenta cómo fue asesinada cuando volvía de colegio, y las repercusiones que su desaparición tiene en su familiar y amigos. En dos planos paralelos, vemos su desconcierto después de su muerte, vagando por una especie de limbo, y el drama de su familia, sobre todo de su padre que se empeña en descubrir quien la mató ante la incapacidad de la policía por encontrar el cadáver.

Atrapada en un más allá intermedio, luminoso y onírico, que recuerda mucho a la producción “Más allá de los sueños”, de Steven Spielberg (uno de los productores), Susie no se decide a cortar los hilos y seguir su camino mientras su asesino, uno de sus vecinos, ande suelto y con ganas de matar otra vez. Susie tenía toda una vida por delante, muchas ilusiones que cumplir como entusiasta fotógrafa y un amor incipiente que la llenaba de ilusión. Por eso, sigue junto a sus padres, sus dos hermanos y su abuela, sin darse cuenta de que la vida debe continuar sin ella y sus padres han de reponerse del golpe.

La película está basada en una novela de Alice Sebold, “The lovely Bones” (Los huesos amados), que ya escribió otra titulada “Desde mi cielo”. La protagonizan Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Susan Sarandon, Stanley Tucci, Michael Imperioli y Saoirse Ronan en el papel de Susie. La dirección ha corrido a cargo de Peter Jackson y ha sido producida por Dream Works y Film4.

Aunque la tragedia es manifiesta, hay momentos verdaderamente bellos gracias a una fotografía daliniana esplendorosa y llena de poesía, pero totalmente al margen de evocaciones religiosas. Aquí, el Cielo de los cristianos no aparece por ninguna parte, más bien se describe como un lugar en el que los recuerdos se borran y ya no tienes nada que ver con los seres queridos que andan aún en la Tierra... Nada más alejado de la doctrina cristiana.

Al mismo tiempo, y en el plano crudo y real, hay un claro mensaje de aviso a las adolescentes incautas que se dejan engatusar por desconocidos. Pero la historia no es triste en sí: en el fondo subyace un optimismo y un horizonte de esperanza, donde la venganza al final se resuelve por sí misma. Especial importancia le daría tanto al sonido en general como a la música, pues consiguen momentos de tensión muy intensos.

Aunque la temática es fuerte, no contiene escenas desagradables y utiliza –menos mal- la elipsis para las secuencias más violentas. De todos modos, sí contiene imágenes y sugerencias perturbadoras, por lo que no aconsejo la película a menores de 16 años.

Tiana y el Sapo

2010-01-27T02:27:00.000-08:00

En la línea de los más famosos cuentos de hadas Disney, “Tiana y el sapo” es una excelente historia de dibujos tradicionales, con animación hecha a mano y de corte clásico: princesas, magia, amor verdadero y mucha música. No obstante, todo está lleno de giros actuales que le da gracia al argumento.

Esta vez la nueva aventura se sitúa en Nueva Orleans, en los años treinta. Tiana, una joven de color, realista y tenaz, trabaja duramente como camarera y sueña con ser dueña de un restaurante. Un día se encuentra metida en un embrollo junto a un apuesto príncipe convertido en sapo a causa de un encantamiento. Éste quiere desesperadamente recuperar su forma humana, pero un beso complicará las cosas y les lleva en una divertida odisea a través de los paisajes misteriosos de Luisiana y las orillas del río Mississippi, donde encuentran nuevos amigos: un simpático y bonachón cocodrilo amante del jazz y una sentimental luciérnaga. Pero tendrán que vérselas con el malvado mago Facilier.

Todo recuerda a otras muchas películas Disney, con muchos elementos de “La Sirenita”, “Aladdin”, “El libro de la selva” y “La bella y la bestia”. No en vano sus realizadores han sido John Musker y Ron Clements, responsables también de las mencionadas producciones. El oscarizado compositor de Nueva Orleans, Randy Newman, que ha participado también en la música de “Toy Story”, “Bichos”, “Monstruos SA.” y “Cars”, ha compuesto la impresionante banda sonora y las canciones, a base de blues, jazz, góspel y zydeco (la música de los criollos de Luisiana). Las canciones en castellano están interpretadas por Macaco, Omara Portuondo, Alex Ubago, King África, Javier Gurruchaga, Chila Lynn y José María Guzmán.

La película gustará a todos. Es entretenida y espectacular, aunque quizás se enreda demasiado en escenas accesorias para alargar la historia, pero tanto los personajes como la ambientación son brillantes, divertidos y muy imaginativos.

Krabat y el molino del diablo

2010-01-25T08:19:00.000-08:00

La película está basada en una antigua leyenda popular serbia, concretamente de la Bohemia septentrional, en la que el escritor alemán Otfried Preussler se inspiró para escribir la novela “Krabat y el molino del diablo”, un bestseller de la literatura europea.

El relato se ubica en el siglo XVII, en plena Guerra de los Treinta Años. Un chico huérfano, Krabat, vaga por los pueblos mendigando hasta que llega a un misterioso molino gestionado por un inquietante personaje, el Maestro, y sus doce ayudantes, que le ofrecen un lugar donde vivir y comida caliente a cambio de trabajo. Poco a poco Krabat va descubriendo un terrible secreto: el molino es, en realidad, una escuela de magia negra y el molinero está confabulado con poderes satánicos. Krabat es iniciado, como los demás, en las artes diabólicas pero se da cuenta de que al final de cada año uno de ellos debe morir para mantener joven al maestro. Cuando muere su mejor amigo, Tonda, intenta huir, pero ya no tiene escapatoria y no le queda otra opción que rebelarse, junto a la joven Kantorka, que le ayuda en su cometido por el amor que ambos se profesan.

El film, dirigido por Marco Kreuzpaintner y rodado en un valle solitario de los Cárpatos (Rumanía), está protagonizado por David Kross (Krabat), Daniel Brühl (el Maestro), Christian Redl (Tonda) y Paula Kalenberg (Kantorka), quienes logran impregnar la historia de una tenebrosidad inquietante, facilitada por una fotografía de claroscuros que influye mucho en lo siniestro de las escenas. Buenos efectos especiales en las claves, ya tópicas, de las narraciones de magia negra: figuras siniestras, cuervos, noches sin luna, muerte, sortilegios.

No obstante, se ha sintetizado demasiado una historia tan compleja, difícil de traducir al lenguaje cinematográfico, por lo que muchos de los enigmas quedan sin explicación, incluso aunque una voz en off trate de dar razones. De forma paralela, se plantea el amor que purifica, la amistad que une, la cruz que se opone al diablo y el poder de la voluntad como arma para vencer a las tinieblas de una forma un poco simplista.

La película va dirigida a un público juvenil, y es de agradecer que no haya escenas especialmente desagradables ni sangrientas, pero resulta una historia que pesa mucho y cuyo final no queda redondo ni del todo claro.

Amerrika

2010-01-11T03:55:00.000-08:00

Deliciosa película, llena de ternura a pesar de que no trata de disfrazar las dificultades de la vida real. Es una historia que conocen bien muchos inmigrantes que llegan a Norteamérica en busca de una vida mejor. Como ocurre con tanta frecuencia, sienten nostalgia del hogar, al tiempo que se esfuerzan por encajar y encontrar un sentido de pertenencia en su nuevo país.

La película se basa a grandes rasgos en la experiencia de la directora y guionista Cherien Dabis y su familia palestino/jordana. Los protagonistas son Muna (Nisreen Faour), una mujer cuarentona, abandonada por su marido, que desea para su hijo Fadi (Melkar Muallem) una vida mejor que la que tienen en Belén. Todo cambia cuando Muna y Fadi obtienen un permiso de trabajo y residencia en Estados Unidos, y allá que se van prácticamente con lo puesto a casa de la hermana de Muna, que vive en Illinois con su marido y sus tres hijos. Allí tendrán que esforzarse por encajar en una nueva cultura sin perder la propia, enfrentándose a un ambiente ubicado justo después de la invasión de Irak y la detención de Sadam Hussein, y a la desconfianza con que casi todo el mundo mira lo proveniente del mundo árabe.

Muna sólo consigue trabajo en una hamburguesería, a pesar de sus dos licenciaturas y su gran experiencia en temas bancarios. Mientras, Fadi se mete en líos en el instituto. Pero la indomable y dulce Muna no pierde la esperanza afrontando con optimismo esta nueva etapa y tratando de formar a su hijo en un ambiente difícil para ambos.

La parte palestina fue rodada en Ramallah y la parte americana en una zona rural de Canadá. Contada con estilo sencillo, con un montaje y un movimiento de cámara lleno de naturalidad y un sonido espectacular, se nutre de muchos pequeños acontecimientos cotidianos, como la tediosa vida en Palestina, los fatigosos controles en el aeropuerto o la larga y vana búsqueda de trabajo. Quizás se le puede reprochar que es algo maniquea en el trato de la psicosis antiárabe norteamericana, comprensible por otra parte tras el 11-S. Pero no deja de ser una interesante aportación intercultural –enriquecido con el personaje del profesor judío- que ha cosechado algunos premios.

La recomiendo vivamente. Para todos los públicos, aunque preferentemente a partir de 14 años.

Todos están bien

2009-12-16T10:12:00.000-08:00

Se trata de una comedia dramática de Miramax que plantea sobre qué pilares se está educando a los hijos. “Everybody’s fine” está escrita y dirigida por Kirk Jones, protagonizada por Robert de Niro, Drew Barrymore (la inolvidable hermana pequeña de Elliot, el protagonista de “E.T. el Extraterrestre”), Kate Beckinsale y Sam Rockwell.

Todo se centra en Frank (Robert de Niro), un jubilado y viudo reciente que se ha pasado la vida trabajando en sistemas de telecomunicaciones y ha dedicado poco tiempo a su familia. Un fin de semana invita a sus cuatro hijos, desperdigados por el país, a una barbacoa para “sentarlos a todos alrededor de la mesa”. Pero la víspera comienzan a excusarse uno a uno, por lo que el padre decide averiguar directamente qué les ocurre y presentarse en sus casas dándoles una sorpresa. Así que, pese a su poca salud, recorre Estados Unidos para terminar descubriendo que las vidas de sus hijos no son como él esperaba... o como le habían contado. Y se da cuenta de que han crecido y no les conoce apenas.

Entonces Frank se lamenta “de haberles exigido”, de haberles presionado a tener metas altas profesionalmente. Y se autoinculpa por haber recibido mentiras en lugar de respuestas sinceras, con el fin de no decepcionarle.

La película presenta la soledad de las personas mayores de un modo muy elocuente, el egoísmo de los hijos que montan sus vidas y se olvidan de sus padres ancianos, pero sobre todo, los fallos en la educación de los hijos, la falta de tiempo, etc.

De todas formas, a mí me parece que el mensaje de la película es algo ambiguo. Por un lado lanza frases como “hay que dejar a los hijos escoger por ellos mismos”, “lo verdaderamente importante es que sean felices hagan lo que hagan”, argumentos algo peligrosos cuando se quiere educar con criterio y no “a lo que salga”. Pero también es una bonita reflexión sobre esos momentos desaprovechados cuando son pequeños –el tiempo vuela-, por tantas ocupaciones de los padres, en que no se les lee un cuento, no se habla de las cosas que verdaderamente les preocupa, o simplemente, no se está con los niños compartiendo el día a día.

A mí me gustó y me interesó de principio a fin. Creo que se puede sacar ideas útiles de ella. Robert De Niro está genial, hay escenas verdaderamente bien contadas y se utiliza la metáfora y los encuadres de cámara de una forma muy poética. Se estrena el 30 de diciembre.

El mejor

2009-12-09T08:29:00.001-08:00

“The greatest”, de la productora DeAplaneta, es el primer largometraje de la directora Shana Feste, que ha querido hacer una historia cotidiana al estilo de "Gente corriente". Para ello, ha contado con un reparto de lujo.

Se trata de un drama que cuenta la historia vivida por una familia bastante desastrosa, que pierde al hijo mayor adolescente, Bennet (Aaron Jhonson), en un accidente de tráfico. Horas antes, Bennet se declaró a Rose (Carey Mulligan), compañera de instituto y volvían a casa tras mantener las primeras relaciones sexuales sin apenas conocerse. Los padres del chico, Grace y Allen (Susan Sarandon y Pierce Brosnan), destrozados, no saben cómo superar la pérdida; es entonces cuando Rose, sin nadie que la ayude, aparece y les dice que espera un hijo de Bennet... Cada uno asimila esta sorpresa de una forma diferente.

La historia prometía bastante con este argumento, pero tiene un regusto amargo desde el principio hasta el final. El desencanto de los personajes, el ambiente social bastante lamentable, los guiones con esas frases pseudotrascendentes tan en boga... Ya es bastante penoso que la primera escena de la película sea precisamente la de la intimidad de los dos adolescentes el primer día en que se dirigen la palabra y que el lenguaje sea bastante burdo. Además, se plantea el aborto como algo tan válido como tener el bebé.

La familia a la que va a parar Rose está a punto de saltar por los aires: la madre, médico, tiene un carácter obsesivo y la relación con su hijo pequeño se reduce a analizar su orina para comprobar si toma drogas; el padre es un profesor de matemáticas, que acaba de salir de una aventura amorosa; y Ryan, el hijo menor, es un drogadicto y un acomplejado, abrumado por el aura de su hermano muerto. Mediante “flashback” nos vamos enterando de que Bennet era el mejor... pero no queda claro en qué exactamente.

Susan Sarandon está espléndida, como en todos sus papeles dramáticos. Me gustó ese detalle tan real y humano como despertarse llorando cada mañana al acordarse de su hijo muerto. A Pierce Brosnan estamos más acostumbrados a verlo como James Bond y en papeles de duro y no me pegaba mucho en este rol. Y en cuanto a la joven Carey Mulligan me parece que es bastante buena actriz y puede ser una revelación en el futuro.

De todas formas, “El mejor”, que se estrena el 1 de enero, es una película de la que se puede prescindir sin ningún problema y que, en general, no aporta gran cosa.

Cuento de Navidad

2009-11-29T10:20:00.000-08:00

La conocidísima obra de Charles Dickens, “A Christmas Carol” o "Canción de Navidad", no es en absoluto un cuento para niños.

Se ha llevado varias veces al cine, se ha parodiado infinidad de veces, y es que su fórmula tiene gancho por su contenido fantástico, por la envoltura navideña en que se desarrolla la trama y por su moraleja. Pero la novela de Dickens es tremendamente tétrica, producto de la época victoriana y de la mentalidad protestante en que fue escrita, tan lejanas de la alegre Navidad católica. Sin embargo, siempre hay sitio para la esperanza mientras hay vida.

En esta nueva versión animada, Robert Zemeckis es su productor, director y guionista. Creó en 2007 su propia productora, Image Movers Digital, con el fin de desarrollar esta novedosa forma de animación y, junto a la Walt Disney Pictures, ofrece este film navideño para toda la familia. Se trata de una historia en 3D realizada con la técnica denominada “captura de movimiento” (motion capture, en inglés), que permite almacenar digitalmente las interpretaciones de los actores y utilizar esa información para animar modelos digitales de personajes en animación 3D.

Ya en 2004, Zemeckis produjo y dirigió el largometraje con la tecnología de captura de movimiento titulado “The Polar Express”, protagonizado por Tom Hanks. Mucha gente cree que estas películas son sólo voces superpuestas pero son verdaderas interpretaciones de actores de verdad, aunque sin maquillaje, sin vestuario y en platós virtuales. En “Cuento de Navidad”, Jim Carrey interpreta a Scrooge en todas sus edades.

La historia comienza en la Nochebuena de 1843, en que el prestamista Ebenezer Scrooge (Jim Carrey) da muestras de su habitual mezquindad con su fiel secretario Bob Cratchit (Gary Oldman) y su entrañable sobrino Fred (Colin Firth). Esa noche, le visita el fantasma de su antiguo socio Jacob Marley, condenado eternamente por su avaricia e insensibilidad. Marley intenta evitar que Scrooge corra la misma suerte y le anuncia la visita de tres espíritus, los Fantasmas de las Navidades Pasadas, Presentes y Futuras, quienes le llevarán en un fantástico viaje a través del tiempo para que reconozca las verdades que no quiere ver... antes de que sea demasiado tarde.

La animación maravillosa en 3D, las secuencias sombrías junto a la vorágine de muchas escenas, sobre todo, el vuelo por el viejo Londres o las persecuciones trepidantes de los tétricos fantasmas, te hacen pasar un rato muy entretenido, quizás porque me gusta el cuento de Dickens, que por supuesto he leído en su versión original. De él tiene bastantes elementos, así como el de esa otra producción musical de la Paramount, “Muchas gracias, Mr. Scrooge”, interpretada por Albert Finney y Alec Guinness, con fantástica música, que también me encanta y suelo ver en estas fechas.

Id con toda la familia, comed palomitas y colocaos las gafas 3D para disfrutar... y sacad también la moraleja: tempus fugit.

Dos canguros muy maduros

2009-11-27T07:25:00.000-08:00

"Dos canguros muy maduros" (Old Dogs) es una película de la Walt Disney que protagonizan Robin Williams y John Travolta, una de cuyas hijas por cierto interpreta a la pequeña Emily, hija del personaje de Williams.

Cuenta la historia de dos amigos desde la infancia que trabajan juntos en una importante empresa, y son como uña y carne. Uno está divorciado y el otro es un solterón de gustos caros. Están a punto de ultimar el gran negocio de su vida con un contrato multimillonario con otra empresa japonesa. Pero todo se complica cuando Williams debe hacerse cargo de la noche a la mañana de sus dos hijos mellizos de 7 años porque su madre debe pasar una temporada en la cárcel por un delito menor. Los niños son terroríficos, y todo es un desastre, pero poco a poco parece llegar el entendimiento.

La verdad es que me llamó la atención semejante pareja, ambos ya efectivamente muy "maduros"´. A mí Robin Williams me ha parecido el de siempre, un poco infantil, un poco histriónico y algo entrañable. A John Travolta le situaba menos en el papel de cuidador de niños, creo que no le va nada.

Pero el caso es que, a pesar de que toda la película es una comedia como tantas se han hecho de dos adultos inexpertos que han tenido que hacerse cargo de niños en los momentos de más trabajo, ha sido divertida. No hay sal gorda de las que les gusta poner a los guionistas en boca de tiernos infantes, aunque sean películas para menores; y hay momentos verdaderamente graciosos, como el lío de las pastillas y las escenas en el Zoo. Sin embargo hay carencias de guión tremendas, como el estúpido motivo por el que va la madre a la cárcel, la tontería del entierro del perro con cura y todo, o los estereotipos con que se trata el carácter japonés. Tampoco me gustó la excesiva concesión a que, para que los niños sean felices, hay que darles de todo y satisfacer todos y cada uno de sus caros caprichos, y a la voz de YA!

Pero se trataba de hacer una película para la navidad, llena de color y diversión. Al final, lo que importa es la amistad, la familia unida y el cariño de los que nos quieren por encima de las mejores oortunidades laborales o económicas. Así que yo le doy un aprobado alto. Pasaréis un buen rato.